Концерт как музыкальный жанр

Концерт (с лат. – состязание) - музыкальный жанр, в основе которого лежит контрастное противопоставление партий солиста, нескольких солистов, меньшей части исполнителей всему ансамблю.

Существуют концерты для одного или нескольких инструментов с оркестром, для оркестра, для хора без сопровождения. Сочинения, называющиеся «концертами» , впервые появились в конце XVI в . В Италии. Как правило, это были вокальные полифонические пьесы, однако в их исполнении могли участвовать и инструменты. В XVII в. концертом назывались вокальные произведения для голоса в сопровождении инструментального аккомпанемента. В России в XVII-XVIII вв. сформировался особый тип концерта - многоголосное хоровое произведение без сопровождения .

Принцип «состязания» постепенно проникал и в чисто инструментальную музыку. Сопоставление всего ансамбля (тутти) с несколькими инструментами (соло) стало основой концерто гроссо - жанра, получившего распространение в эпоху барокко (вершинные образцы концерто гроссо принадлежат А. Корелли , А. Вивальди , И. С. Баху, Г. Ф. Генделю) .

В эпоху барокко складывается также тип сольного концерта для клавира, скрипки и других инструментов в сопровождении оркестра. В творчестве В. А. Моцарта , Л. Бетховена тип инструментального концерта для солирующего инструмента/тов с оркестром получил свое классическое воплощение. В первой части темы вначале излагаются оркестром, затем - солистом и оркестром; незадолго до окончания первой части возникает каденция - свободная импровизация солиста. Темп первой части, как правило, подвижный. Вторая часть - медленная. Ее музыка выражает возвышенное раздумье-созерцание. Третья часть - финал - быстрая, жизнерадостная, нередко связанная с народно-жанровыми источниками. Так строятся многие концерты, созданные композиторами XIX-XX вв.

Н-р, П. И. Чайковский в своем знаменитом 1-м концерте для фортепьяно с оркестром использует трехчастную форму цикла. В первой части сочетаются патетические и лирико-драматические образы. В основу ее главной темы композитор положил напев лирников (слепых певцов, аккомпанирующих себе на лире). Вторая часть - лирическая по характеру. В третьей Чайковский воссоздает картину праздничного веселья, используя украинскую народную песню-веснянку.

Развитие инструментального концерта в творчестве композиторов-романтиков шло как бы по двум направлениям: с одной стороны, концерт по своим масштабам, музыкальным образам сближался с симфонией (например, у И. Брамса), с другой - усиливалось чисто виртуозное начало (в скрипичных концертах Н. Паганини).

В русской классической музыке жанр инструментального концерта получил своеобразное и глубоко национальное претворение в фортепьянных концертах Чайковского и С.В. Рахманинова, в скрипичных концертах А.К. Глазунова и П.И. Чайковского.

Методическая разработка

ОТКРЫТОГО УРОКА

Урок музыки в 6 классе на тему: «Инструментальный концерт »

учителя музыки

МБОУ РСОШ №1 г.Рудня

Смоленской области

Дацкив Илоны Александровны

2016 г.

У рок музыки в 6-м классе "Инструментальный концерт"

Тип урока -формирование и совершенствования новых знаний, но с учётом требований ФГОС это урок «открытия» нового знания .

Цель урока: дать представление о жанре инструментального концерта, о том, когда и как он возник, как развивался.

Исходя из цели урока ставятся следующие задачи:

Образовательная : познакомить учащихся с зарождением и развитием жанра инструментального концерта на примере концерта «Времена года» А.Вивальди, закрепить представления о различных видах концерта, расширить представления о программной музыке.

Развивающая : продолжить знакомить с лучшими образцами музыки эпохи барокко.

Воспитательная : воспитывать эмоциональную отзывчивость на восприятие классической музыки, развивать интерес и уважение к музыкальному наследию композиторов других стран.

За последнее время задачи урока музыки расширились. Всё большее значение приобретают его самообразовательная и стимулируюшая задачи.

Самообразовательная : развивать умения и навыки музыкально-эстетического самообразования.(самостоятельная работа в группах)

Стимулирующая: способствовать формированию устойчивого интереса к изучаемому, побуждать школьников к дальнейшему познанию, к выработке потребности постоянно пополнять, обновлять, развивать свои знания(использование разнообразных средств обучения)

Активизация творческой и познавательной деятельности воспитанников достигается, посредством использования современных педагогических технологий, через интеграцию различных видов искусства и информационных технологий.

На примере музыкальных живописных и литературных произведений показать учащимся роль музыкального начала в жизни и произведениях изобразительного искусства и литературы, взаимосвязь музыки с другими видами искусства.

Через рабочую наглядность раскрыть тему урока в увлекательной и доступной форме.

Методы :

организации и осуществления учено-познавательной деятельности:

объяснительно-иллюстративный

стимулирования и мотивации учебно-познавательной деятельности:

ситуация занимательности

сравнение, анализ, обобщение

приём сопоставления со смежными видами искусств

по источнику информации и характеру деятельности:

словесно-индуктивный (беседа), наглядно-дедуктивный (сравнение, анализ услышанного музыкального произведения, побуждения к сопереживанию, ретроспективы).

Урок построен на двух видах музыкально-практической деятельности учащихся – это слушание (активное восприятие) музыки и интонирование, которое выражается в исполнительской деятельности. Выбор данных видов деятельности обусловлен темой урока, его целью и задачами.

Технологии: информационно-коммуникационная, здоровьесберегающая

Оборудование: мультимедийный проектор, музыкальный центр, ноутбук, фонохрестоматии к учебнику «Музыка» 6 классов, музыкальные словарь В. Ражникова, распечатанные слова песни А. Ермолова «Времена года»

ХОД УРОКА

1. Организационный момент

Учитель:

– Здравствуйте, ребята!
Ответ детей:

– Здравствуйте!

Учитель: Здравствуйте, дорогие ребята и гости, рада вас видеть Я надеюсь, что вы будете принимать активное участие на уроке. В свою очередь я постараюсь, чтобы урок прошёл для вас интересно и познавательно.

Музыка воодушевляет весь мир, снабжает душу крыльями, способствует полёту воображения,
музыка придаёт жизнь и веселье всему существующему…
Её можно назвать воплощением всего прекрасного и возвышенного.

Платон

Учитель: А начнем мы урок, конечно, с музыки!

(Звучит отрывок из инструментального концерта Вивальди «Времена года»

Давайте попытаемся ответить, о чем сегодня на уроке пойдет речь?

Музыка Антонио Вивальди(1 слайд)

Ребята напомните мне тему 2 полугодия:

Учащиеся: «Мир образов камерной и симфонической музыки»

Учитель: А что такое камерная музыка?

Учащиеся: Камерная, т.е. комнатная музыка, предназначенная для исполнения в небольших помещениях для небольшой аудитории.

Учитель: Для того, чтобы понять, о чём пойдёт речь на сегодняшнем уроке давайте отгадаем музыкальный кроссворд. Слово спряталось по вертикали.(слайд 2)

7.

к

о

н

ц

е

р

т

Большой коллектив музыкантов-инструменталистов, совместно исполняющих произведение (ОРКЕСТР)

Многочастное произведение для хора, солистов и оркестра (КАНТАТА)

Музыкальный спектакль, в котором основным средством выразительности является пение (ОПЕРА)

Оркестровое вступление к опере, спектаклю или самостоятельное симфоническое произведение (УВЕРТЮРА)

Ансамбль из четырёх исполнителей (певцов или инструменталистов) (КВАРТЕТ)

7.(по вертикали) Крупное музыкальное произведение для симфонического оркестра и какого либо солирующего инструмента, состоящее из 3 частей (КОНЦЕРТ)

Сформулируйте тему урока

Тема урока «Инструментальный концерт» ( слайд 3)

Какую цель мы можем поставить?

А что такое концерт?

Концерт (ит. concerto –состязание, с лат. – concerto – согласие) (слайд 4)

солирующего

инструмента (фортепиано, скрипки и др.) и симфонического оркестра.

Жанр концерта возникает в XVII веке в связи с интенсивным развитием скрипичного исполнительства.

-Ч ем мы будем заниматься сегодня на уроке?

План урока:

Музыкальное приветствие

Слушать музыку

Анализ музыкального произведения

Работа в группах

Словарная работа

Пение

Выводы. Итоги.

Домашнее задание (5 слайд)

Кто такой Антонио Виаальди?

Что мы о нем знаем?

Учитель: Антонио Вивальди – скрипач-виртуоз, дирижер и педагог, один из величайших композиторов XVII – XVIII вв. Жил и творил в эпоху барокко
Был создателем жанра – инструментального концерта .(слайд 6-7)

Цикл «Времена года»

Вершина творчества Вивальди. Этот цикл объединил четыре концерта для солирующей скрипки и струнного оркестра. В них развитие музыкального образа основано на сопоставлении звучания * скрипки - solo * оркестра – tutti (в переводе с итальянского значит все ) ”. Принцип контраста определил трёхчастную форму концерта: 1-я часть – быстрая и энергичная; 2-я – лирическая, певучая, небольших размеров по форме; 3-я часть – финал, живой и блестящий (8-9 слайд)

Учитель: Перед вами на столах лежат словари эстетических эмоций В. Ражникова.

Предлагаю вам послушать одну из частей часть концерта и поработать в группах. Природа всегда радовала музыкантов, поэтов и художников. Красота природы, смена времен года: осень, зима, весна, лето – неповторима, каждая по-своему

Как вы думаете, обращались художники поэты к теме времен года?

Вы знаете такие произведения?

Поэтами написано много стихов о природе, художниками написано много картин о природе, а композиторами написано много музыки, изображающей картины природы.

Сегодня мы сравним, как изображено каждое время года в поэзии, в живописи и в музыке. А помогут нам в этом стихи русских поэтов, репродукции картин русских художников и волшебная музыка итальянского композитора Антонио Вивальди., который сумел отразить своей музыкой красоту родной природы. Италия, страна, богатая своей культурой, древними памятниками, красивой природой. Именно поэтому многие русские художники, окончив Академию Художеств, отправлялись на стажировку в Италию

Стихи, картины и музыка помогут нам увидеть, услышать и почувствовать каждое время года. (Звучит 1-я часть, учитель название не называет) .

1 группа: композиторы

Какие чувства выражает эта музыка?

С каким временем года может ассоциироваться эта музыка ?

Учащиеся: Учащиеся определяют первоначальную интонацию, характер музыки, быстрый темп, контрасты динамики, изобразительные моменты – подражание пению птиц- это весна

Прослушанная музыка яркая, звонкая, радостная. В ней чувствуется полет, движение, пение птиц. Мелодия светлая, в музыке чувствуется приход весны.

Как можно охарактеризовать мелодию?

Учащиеся: Возможные ответы детей: ясно слышно, где играет оркестр, а где звучит солирующая скрипка. Мелодия, которая исполняется оркестром в мажорном ладу, очень ясная, яркая, легко запоминается, в танцевальном ритме. Мелодия, исполняемая солистом, гораздо сложней, она виртуозная, красивая, украшена музыкальными распевами, похожа на пение птиц).

Учащиеся определяют, что это ВЕСНА

2 группа: художники

На столе лежат репродукции картин времен года

Запишите в таблицу, какие краски, вы услышали и увидели, и какие чувства у вас вызвали эти произведения искусства, и, конечно, определите время года

Скажите, какие цвета преобладают?

Ответы учащихся: Цвет первой зелени желто-зеленый, цветение первых цветов – белых, розовых, голубое небо, птицы в небе.

3 группа: поэты

Учитель: Цикл концертов «Времена года» - программное сочинение , в основе которого лежат стихотворные сонеты, с помощью которых, композитор раскрывает содержание каждого из концертов цикла. Предполагается, что сонеты написаны самим композитором

На каждом столе лежит стихотворение об одном из времен года.

Запишите в таблицу, какие стихи ассоциируются с данной музыкой, и какие чувства у вас вызвали эти произведения искусства

Уж тает снег, бегут ручьи,

В окно повеяло весною…

Засвищут скоро соловьи,

И лес оденется листвою!

Чиста небесная лазурь,

Теплей и ярче солнце стало,

Пора метелей злых и бурь

Опять надолго миновала… А.Плещеев

Обсуждение ответов работы групп.(слайд 10)

Учитель: предлагаю прослушать фрагмент 2 части концерта (слайд 11)

Определите эмоциональное содержание части, темп, динамику?

Вслушайтесь в пассажи скрипки. Какие картины возникают в воображении?

Ярко солнце светит,
В воздухе тепло.
И куда ни взглянешь,
Всё кругом светло.
По лугу пестреют
Яркие цветы,
Золотом облиты
Тёмные листы.
Дремлет лес; ни звука,
Лист не шелестит,
Только жаворонок
В воздухе звенит. И. Суриков.

Учитель: прослушивание 3 части концерта

Лес, точно терем расписной,
Лиловый, золотой, багряный,
Веселой, пестрою стеной
Стоит над светлою поляной.
Березы желтою резьбой
Блестят в лазури голубой,
Как вышки, елочки темнеют,
А между кленами синеют
То там, то здесь в листве сквозной
Просветы в небо, что оконца. К.Бальмонт

(слайд 12)

4-я часть концерта: «Зима» (слайд 13)

Чародейкою Зимой
Околдован, лес стоит,
И под снежной бахромою,
Неподвижною, немою,
Чудной жизнью он блестит.
И стоит он, околдован,
Не мертвец и не живой –
Сном волшебным очарован,
Весь опушан, весь окован
Лёгкой цепью пуховой… Ф.Тютчев

Физкультминутка

Учитель: Тема времен года всегда была популярна в искусстве.

В наше современное время тоже есть произведения вокального жанра о времени года.

Давайте споем песню современного композитора Александра Ермолова «Времена Года».

Вокально- хоровая работа над песней «Времена года» сл. и муз. Александра Ермолова

Определим задачи: в каком характере будем петь, какие артикуляционные задачи будем решать.

Проверим домашнее задание

Исследовать современна ли музыка Вивальди сегодня.

В чем секрет популярности музыки композитора.

Кто из современных людей ис-ва обращается к творчеству композитора.

Интересные факты из жизни композитора

Стихи о композиторе и его творчестве

Рефлексия

Что запомнили, что было интересно, что удивило на уроке?

Урок музыки в 6-м классе "Инструментальный концерт"

Цели урока:

Образовательная : познакомить учащихся с зарождением и развитием жанра инструментального концерта на примере концерта «Времена года» А.Вивальди, закрепить представления о различных видах концерта, расширить представления о программной музыке.

Развивающая : продолжить знакомить с лучшими образцами музыки эпохи барокко.

Воспитательная : воспитывать эмоциональную отзывчивость на восприятие классической музыки, развивать интерес и уважение к музыкальному наследию композиторов других стран.

Оборудование: мультимедийный проектор, учебник Г.П. Сергеевой, Е.Д.Критской «Музыка» для 6 класса, творческая тетрадь к данному учебнику, фонохрестоматии к учебнику «Музыка» 6 классов, рабочая тетрадь, музыкальные словари.

План урока:

1. Организационный момент.
2. Эпоха барокко – композиторы, жанры, музыкальные образы.
2.1. Развитие жанра концерта в творчестве А.Вивальди.
2.2. История возникновения балета «Времена года».
2.3. Современные исполнители и исполнительские коллективы.
3. Домашнеее задание.

ХОД УРОКА

1. Организационный момент

Приветствие в форме вокальной попевки, исполняемой учителем:

– Здравствуйте, ребята, здравствуйте! (Постепенное восходящее движение от первой ступени к пятой по звукам тонического трезвучия) .
Ответ детей:

– Здравствуйте, учитель, здравствуйте!» (Полное повторение исходной попевки).

2. Изучение нового материала.

Музыка воодушевляет весь мир, снабжает душу крыльями, способствует полёту воображения,
музыка придаёт жизнь и веселье всему существующему…
Её можно назвать воплощением всего прекрасного и возвышенного.

Платон

Учитель: На самом первом уроке по музыке в 6 классе мы говорили о музыкальном разнообразии: музыка бывает вокальной и инструментальной. Тема нашего сегодняшнего урока «Инструментальный концерт». Назовите, пожалуйста, жанры инструментальной музыки и возможные составы исполнителей. (Дети называют жанр симфонии, концерта, вокализа, песни без слов, сонаты, сюиты и исполнительские составы – музыка сольная, ансамблевая оркестровая). Найдите значение слова «Концерт» в музыкальных словарях.

(Дети ищут заданное слова и читают вслух найденное определение).

Ученик: Концерт (ит. concerto от лат. – concerto – соревнуюсь) называют:

1. Публичное исполнение музыкальных произведений.
2. Жанр крупного музыкального произведения виртуозного характера для солиста с оркестром, написанного чаще всего в форме сонатного цикла.
3. Полифоническая вокальная или вокально-инструментальная музыка, опирающаяся на сопоставление двух и более партий. Концерт строится их трёх частей (быстро – медленно – быстро).
В истории музыки есть концерты для солирующего инструмента и оркестра, для оркестра без солистов, в русской музыке в XVIII веке возник жанр духовного хорового концерта.

Учитель: В учебнике (стр.108-110) в изобразительном ряду рассмотрим репродукции картины «Весна» С. Ботичелли и рельефы Ф. Гужона. Музыку какого художественного стиля вы бы взяли, чтобы озвучить эти произведения искусств? Тема сегодняшнего урока – «Инструментальный концерт». Вы познакомитесь с зарождением и развитием жанра камерной музыки – инструментального концерта. Вспомните, как называется художественный стиль в культуре и искусстве европейских стран в период с 1600-1750 г.г.; творчество каких композиторов относится к эпохе барокко. (Дети должны дать определение этого слов из темы «Образы духовной музыки Западной Европы», назвать имя И.С. Баха, учебник стр.66). Вы верно назвали значение этого слова. Барокко– это один из самых красивых и изысканных стилей в искусстве. Предположительно происходит от португальского выражения pleurabarocco – жемчужина причудливой формы. И в самом деле, барокко – это жемчужина в цепи меняющихся художественных ценностей в живописи, архитектуре, скульптуре, литературе, музыке

Для мастера барокко было важно запечатлеть божественную красоту жизни. Барокко как художественному стилю присущи выразительность, пышность, динамика. Искусство барокко стремилось непосредственно воздействовать на чувства зрителей и слушателей, подчеркивало драматичность душевных переживаний человека. Именно с возникновением барокко музыка впервые полно продемонстрировала свои возможности углубленного и многостороннего воплощения мира душевных переживаний человека. На ведущее место выдвинулись музыкально-театральные жанры, прежде всего опера, что определялось характерным для барокко стремлением к драматической экспрессии и сочетанию различных видов искусства. Это проявлялось и в сфере религиозной музыки, где ведущими жанрами были духовная оратория, кантата, пассионы. Одновременно обнаружилась тенденция к обособлению музыки от слова – к интенсивному развитию многочисленных инструментальных жанров. Высочайшими достижениями представлена барочная культура в изобразительном искусстве (Рубенс, Ван Дейк, Веласкес, Рибера, Рембрандт), в архитектуре (Бернини, Пюже, Куазевокс), в музыке (А.Корелли, А. Вивальди, И.С.Бах, Г.Ф.Гендель). Эпоху барокко принято считать с 1600-1750 г.г. За эти полтора столетия были изобретены такие музыкальные формы, которые, претерпев изменения, существуют в настоящее время.

На сегодняшнем уроке вы познакомитесь с циклом концертов «Времена года», являющегося вершиной творчества А.Вивальди. Антонио Вивальди – итальянский скрипач, композитор и педагог.

Творческое наследие Вивальди чрезвычайно велико. Оно охватывает около 700 названий. Среди них 19 опер. Но главным историческим значением его творчества стало создание сольного инструментального концерта. В этом жанре было написано около 500 произведений. Многие из его концертов были написаны для одной и более скрипок, два концерта – для двух мандолин и несколько – для необычных музыкальных, например, для двух скрипок и двух органов. Сочиняя концерты для струнных инструментов, композитор один их первых обратился к сочинению музыки для духовых инструментов, считавшихся примитивными и неинтересными для композиторов. Гобой, валторна, флейта, труба в его концерте звучали полно и стройно. Концерт для двух труб А.Вивальди написал по заказу. Очевидно, исполнители хотели доказать, что на трубе можно играть красивую и виртуозную музыку. До сих пор исполнение этого концерта является доказательством высочайшего мастерства исполнителя. Много музыки написано композитором для фагота – более 30 концертов для фагота с оркестром. Особое предпочтение среди духовых инструментов Вивальди отдавал флейте с её нежным, мягким тембром. В партиях, поручаемых флейте, она звучит в полный голос, проявляя все свои достоинства.

В творчестве А.Корелли был сформирован concerto grosso (сопоставление всего ансамбля с несколькими инструментами). А. Вивальди сделал шаг вперёд по сравнению со своим предшественником: сформировал жанр сольного концерта, который значительно отличался масштабами развития, динамичностью и экспрессивностью музыки. В композициях концертов чередовались сольные и оркестровые части, основанные на «хорошо организованном контрасте». Принцип контраста определял трёхчастную форму концерта: 1-я часть – быстрая и энергичная; 2-я – лирическая, певучая, небольших размеров по форме; 3-я часть – финал, живой и блестящий. Сольный инструментальный концерт был рассчитан на широкую аудиторию, для которого были присущи элементы зрелищности, некоторой театральности, проявляющуюся в состязании солиста и оркестра – в беспрестанном чередовании tutti и solo. Именно в этом и был смысл концерта, музыки.

Циклом концертов «Времена года» являются вершиной творчества А.Вивальди.
Предлагаю вам послушать 1-ю часть концерта. (Звучит 1-я часть, учитель название не называет) .
– С каким временем года может ассоциироваться эта музыка? (Учащиеся определяют первоначальную интонацию, характер музыки, быстрый темп, контрасты динамики, изобразительные моменты – подражание пению птиц, это весна).

Мир, в котором мы живем, полон всевозможных звуков. Шелест листвы, раскаты грома, шум морского прибоя, свист ветра, мурлыканье кошки, треск горящих дров в камине, пение птиц…
В незапамятные времена человек понял, что звуки бывают разные: высокие и низкие, короткие и долгие, приглушенные и громкие. Но сами по себе звуки – еще не музыка. И когда человек стал организовывать их, чтобы выразить свои чувства и мысли – возникала музыка.
Как можно охарактеризовать мелодию? (Возможные ответы детей: ясно слышно, где играет оркестр, а где звучит солирующая скрипка. мелодия, которая исполняется оркестром; мелодия в мажорном ладу, очень ясная, яркая, легко запоминается, в танцевальном ритме. Мелодия, исполняемая солистом, гораздо сложней, она виртуозная, красивая, украшена музыкальными распевами, похожа на пение птиц).

Среди музыкантов всех времён было популярно подражание птичьими голосам. Пение птиц имитировалось в древности, и до сих пор такие имитации встречаются в музыкальном фольклоре разных народов. Мыслители, ученые, музыканты искали в пении птиц истоки музыки. «Музыкальность» многих птиц не перестаёт восхищать. Недаром соловей стал одним из символов искусства вообще, а сравнение с ним – похвала для певца. Композиторы эпохи барокко написали много прекрасной «птичьей» музыки – «Ласточка» К.Дакена, « Перекликание», «Курица» Ф. Рамо, «Влюблённый соловей» и «Соловей – победитель» Ф. Куперена, многочисленные «Кукушки»– Куперена, А.Вивальди, Б.Пасквини и.т.д.Связаны ли музыкальные темы оркестра и солиста? (В музыкальных темах один ритм, ярко динамическое волнение, дыхание простора на природе, ощущается радость жизни).
– Какой инструмент в эпоху барокко был самым совершенным?

Как мало струнных инструментов использовал А. Вивальди по сравнению с современными оркестрами. В первоначальном варианте, по замыслу композитора, струнных всего пять. Современные струнные коллективы начинались с небольших оркестров, состоявших из пяти, затем десяти, двенадцати, четырнадцати инструментов. Скрипка – самый важный инструмент оркестра, Золушка современного симфонического оркестра. До сих пор это самый совершенный инструмент из всех струнных. У неё чудесное звучание и невероятный диапазон. Во времена Вивальди и Баха были сделаны лучшие инструменты в истории. В маленьком итальянском городке Кремона делали прекрасные и неповторимые скрипки. Запомним имена Страдивари, Амати, Гварнери. Маленький городок славился своими мастерами. За последние триста лет никто не смог сделать скрипки лучше, чем мастера Кремоны. В своём произведении А.Вивальди показал яркость и красоту звучания скрипки, как солирующего инструмента.

Музыка – один из видов искусства. Подобно живописи, театру, поэзии, она является образным отражением жизни. Каждое искусство говорит на своем языке. Музыка – язык звуков и интонаций – отличается особой эмоциональной глубиной. Именно эту эмоциональную сторону вы почувствовали при прослушивании музыки А.Вивальди.

Музыка обладает сильным воздействием на внутренний мир человека. Она может доставлять наслаждение или, напротив, вызывать сильное душевное беспокойство, побуждать к размышлениям и открывать перед слушателем неизвестные ранее стороны жизни. Именно музыке дано выразить чувства столь сложные, что их порой невозможно описать словами.

Подумайте, можно ли на эту музыку поставить балет? Когда соревнуются в мастерстве солист и оркестр, они непременно должны играть для зрителя. Именно в этом непрестанном чередовании звучания оркестра и ярко звучащей солирующей скрипки, в ощущении театра и дискуссии, в гармоничности и стройности музыкальной формы ощущаются характерные черты музыки барокко. При повторном прослушивании 1 –ой части концерта вслушайтесь в звучащую музыкальную ткань. Мелодический голос сочетается с непрерывным, строго определённым по форме сопровождением. В этом отличие от сочинений предшествующего периода, где главенствующую роль играла полифония – одновременное звучание нескольких мелодий, равных по своей значимости.

Итак, концерт А.Вивальди «Времена года» состоит из четырёх частей. Название каждой части соответствует названию времени года. Развитие музыкального образа каждой части основано не только на сопоставлении звучания скрипки соло и tutti оркестра. В концерте музыка следует за образами стихотворных сонетов, которыми композитор раскрывает содержание каждого из концертов цикла, т.е. существует некоторая программа. Есть предположения, что сонеты были написаны самим композитором. Обратимся к переводам сонета, который стал своеобразной программой концерта. В учебнике на стр.110- 111 предложено два варианта перевода. Какой из них, на ваш взгляд, большее точно соответствует музыкальному образу 1-й части концерта «Весна»? Какими средствами выразительности литературный текст передаёт настроение человека, его душевное и эмоциональное состояние, связанное с приходом весны? А.Вивальди, используя литературную программу в своём концерте, явился основоположником программной музыки. В XIX веке возникла программная музыка – произведение, в основе которого лежит литературная основа.

Программная музыка – род инструментальной музыки. Это музыкальные произведения, имеющие словесную, нередко поэтическую программу и раскрывающие запечатлённое в ней содержание. Программой может служить заглавие, указывающее, например, на явления действительности, которое имел в виду композитор («Утро» Э.Грига к драме Г.Ибсена «Пер Гюнт») или на вдохновившее его литературное произведение произведение («Ромео и Джульетта» П.И.Чайковского – увертюра – фантазия по одноимённой трагедии У.Шекспира).
Перейдём к работе с учебником. На стр. 109. вам предложена главная тема 1-й части концерта «Весна». Я напомню её звучание, сыграв на инструменте. Можно ли напеть эту мелодию? Давайте пропоём мелодию. Зная средства музыкальной выразительности, охарактеризуйте эту музыкальную тему (учащиеся дают характеристику мелодии, лада, длительностей, темпа, регистра, тембра). Повторяется ли эта тема? В какой музыкальной форме (рондо, вариации) написана 1-я часть концерта? Какой принцип развития (повтор или контраст) композитор использует в музыке 1-й части? Есть ли изобразительные эпизоды? Если есть, то определите их необходимость и подтвердите примером из литературного текста. Можете ли напеть мелодию, исполняемую солистом? (Трудноисполняемая, виртуозные пассажи, как порыв ветра, трели птиц). Сравните с графическим изображением мелодии (восходящее движение, мелкие длительности и т.д.). Необходимость создания программной инструментальной музыки появилась в Италии ещё в XVII веке. В тот момент, когда в опере вошли в моду изображения героических поступков и пасторальных идиллий, картин преисподней и природных сил – бушующего моря, шелестящей листвы; оркестру в таких сценах отводилась доминирующая роль. В сравнении с композиторами-инструменталистами эпохи барокко А.Вивальди обнаружил большой талант в этой области. Долгое время о Вивальди помнили благодаря И.С.Баху, который сделал несколько транскрипций его произведений. Были переложены шесть концерт Вивальди для фортепиано и органа, которые долгое время считались написанными самим Бахом. Творчество А.Вивальди оказало большое влияние на формирование творческого стиля И.С.Баха, особенно первые скрипичные концерты Вивальди.

Вы ещё раз обратитесь к музыке 1-й части концерта «Весна», но прослушивание будет необычным: вы будете и слушать, и смотреть фрагмент балета «Времена года» на музыку А.Вивальди в постановке выдающегося французского хореографа-постановщика Р. Пети. Балет исполняет Марсельская труппа.

Спектакль «Времена года» ставился разными хореографами на разную музыку. Многими композиторами была написана музыка на эту тему, это – А.Вивальди, П.И.Чайковский, А.Глазунов и др. Существовали разные версии постановок спектаклей: это четыре времени года, четыре времени жизни, четыре времени дня. Сегодняшний спектакль хореографа Р. Пети поставлен на тему Баланчина. Обратимся к Энциклопедии «Балет».

Джордж Баланчин, родился в 1904 году, американский балетмейстер. Его творчество способствовало формированию нового направления в хореографии. Ставил драматические, комедийные, фарсовые балеты, основанные часто на несложном сюжете, где действие раскрывалось средствами танца и пантомимы; стиль балета во многом определялся декоративным оформлением, в котором был определённый смысл. Это направление в его творчестве получило наибольшее развитие после 1934 года. Баланчин стал создавать балеты на музыку, которая не была предназначена для танца (сюиты, симфонии, том числе концерт «Времена года»). В этих балетах сюжет отсутствует, содержание раскрывается в развитии музыкально-хореографических образов.

Мысль о создании балета на тему Баланчина, бессюжетного балета, неоклассики, танца ради танца, посещала хореографа. Итог этого желания – создание балета «Времена года». Ролан – человек – импрессионист, поддающийся впечатления. Благодаря фантастической музыке А.Вивальди и творческой фантазии хореографа был поставлен сегодняшний спектакль. Одна из отличительных черт Р.Пети как балетмейстера – простота и ясность хореографического текста. Р.Пети – человек, который может творить абсолютно во всех направлениях и во всех жанра: он ставил танцы для кинофильмов, много ревю для мюзиклов, драматических спектаклей. Он ставил спектакли, где танец являлся чем-то божественным, тем, что приносит удовольствие и радость для тех, кто находится в зрительном зале. Р.Пети – человек, который обожает всё красивое. Для своей хореографии он руководствуется всегда только одним критерием – красота, гармоничное сочетание музыкальности и красоты.

Балет «Времена года» исполняется на одной из самых красивых площадей мира – площади Сан-Марко в Венеции. Божественная архитектура площади является декорацией к этому спектаклю. Артисты, которые исполняют спектакль, ушли в легенду, так как они были звёздами 70-80 годов. Это Доменик Кольфуни, Дэнис Ганьо, Луи Джебанино. Их творчество и талант высоко ценил Р. Пети. В частности, Доменик Кольфуни – одна из самых любимых балерин Пети. Д.Кольфуни была балериной Парижской Национальной оперы, но по просьбе Р.Пети уехала в Марсель. Для неё Р.Пети создал много спектаклей, в частности, спектакль «Моя Павлова». Как когда-то А.Павлова была идеалом для балетмейстера М.Фокина, такой же «Павловой» стала Д. Кольфуни для Р.Пети. (Просмотр фрагмента балета» Времена года», «Весна»).

Интерес музыкантов-профессионалов к музыке эпохи барокко не иссякает. В 1997 году известным итальянским клавесинистом и знатоком барокко Андреа Марконом был создан Венецианский барочный оркестра. Этот коллектив за четыре года приобрёл известность как одного из лучших ансамблей барочного инстументального исполнительства, в первую очередь, как убедительного интерпретатора музыки Антонио Вивальди. Многочисленные концерты и оперные постановки оркестра во многих странах Европы получили широкое признание не только в широкой слушательской среде, но и среди музыкальных критиков. Оркестр своими исполнениями подарил слушателям новое прочтение сочинений А.Вивальди, Ф.Кавалли, Б.Марчелло.

В минувшем концертном сезоне прошли концерты в 28 городах США со скрипачом Робертом Мак-Даффи, гастроли в Японии и Корее с участием скрипача Джулиано Карминьоло, была исполнена программа из сочинений Антонио Вивальди в одном из лучших концертных залов Амстердама – Concertogebouw. Участвуя в различных фестивалях Австрии, Швейцарии и Германии, оркестр выступил с такими известными солистами, как Магдалена Кожена, Чечилия Аартоли, Вивика Жено, Анна Нетребко, Виктория Муллова.
Обширная дискография оркестра удостоена многих престижных наград. Она включает в себя записи скрипичных концертов Вивальди и Локателли, альбом симфоний и концертов для струнных Вивальди, многие произведения композиторов эпохи барокко в исполнении выдающихся музыкантов современности.

Интерес к музыке А.Вивальди не иссякает. Его стиль узнаваем для широкого круга слушателей, музыка ярка и не теряет своих красок. Пример тому – обращение современного хореографа Р.Пети к музыке Вивальди и его прекрасная постановка балета «Времена года», создание новых инструментальных оркестров.

В чём секрет такой популярности музыки А.Вивальди? Слушая музыку композитора далёкого прошлого, что радовало и огорчало человека? К чему стремился, о чем он размышлял и как воспринимал мир? Музыка А.Вивальди, понятна музыка прошлого. Чувства, мысли переживания современного человека нисколько не изменились по сравнению с прошлым. Это радость жизни, восприятие окружающего мира, которое в музыки Вивальди позитивно и жизнеутверждающе. Концерты в творчестве А.Вивальди явились продолжением развития жанра инструментального концерта, получив законченную форму, ставшую образцом для последующих поколений европейских композиторов.

3. Домашняя работа: задание в творческой тетради по теме «Инструментальный концерт».

Посетителям филармонии знакома та особая, приподнятая атмосфера, которая царит в зале, где исполняется инструментальный концерт. Особый интерес вызывает соревнование солиста с целым коллективом – оркестром. Действительно, концерт – один из самых сложных инструментальных жанров. Специфика его состоит в том, что солист поставлен в самые трудные условия, которые могут существовать в музыке. Ему предстоит доказать превосходство своего инструмента в состязании с десятками других.

Недаром композиторы придают концертам блестящий, виртуозный характер, стремясь раскрыть все технические и художественные возможности избранного ими инструмента. Концерты, в основном, пишутся для самых развитых и богатых по своим ресурсам инструментов – фортепиано, скрипки, виолончели.

Вместе с тем концерт предполагает не только соревнование участников, но и попеременную согласованность солирующей и аккомпанирующей партий в воплощении общего замысла сочинения.

Таким образом инструментальный концерт содержит в себе, казалось бы, противоречивые тенденции:

• с одной стороны, он призван раскрыть возможности одного инструмента в сопоставлении с целым оркестром;
• с другой стороны, требует полного и совершенного ансамбля.

И, по-видимому, слово концерт имеет двойное происхождение: от латинского «concertare», что означает «состязаться», и от итальянского «concerto», то есть, «согласие». В этом двойном значении – смысл и специфика данного жанра.

Инструментальный концерт. История возникновения жанра

История концерта как формы ансамблевого исполнения уходит в глубокую древность. Совместная игра на нескольких инструментах с выдвижением солирующего встречается в музыкальной культуре многих народов.

Но сам термин появился в эпоху позднего Возрождения, в XVI веке, в Италии. Так называли вокальные полифонические произведения, исполняющиеся в церкви. Такие произведения были основаны на сопоставлении (состязании) двух или нескольких певческих партий, сопровождавшихся органом, а иногда – инструментальным ансамблем.

В дальнейшем это наименование перешло к камерным сочинениям для нескольких инструментов. Подобные концерты встречаются в начале XVII века, но уже к середине столетия концерт становится оркестровым произведением и принимает новое название – «кончерто гроссо».

Concerto grosso

Создателем нового жанра Concerto grosso («большой концерт») был выдающийся итальянский скрипач и композитор XVII – начала XVIII века Арканджело Корелли. В кончерто гроссо уже имелось деление на солирующие и аккомпанирующие инструменты, причем первых всегда было несколько и назывались они concertino.

Последующее развитие этой формы связано с , младшим современником Корелли. В творчестве Вивальди цикл концерта обрел 3-частную форму, где крайние быстрые части обрамляли среднюю, медленную. Он же создал первые концерты с одним солирующим инструментом, скрипкой. Такие концерты писали Бах и Гендель.

В дальнейшем в качестве солирующего инструмента стал выдвигаться и клавесин, который первоначально выполнял в Concerto grosso аккомпанирующие функции. Постепенно его партия усложнялась, и с течением времени клавесин и оркестр поменялись ролями.

Структура концертов Вольфганга Амадея Моцарта

В окончательно закрепилась 3-частная структура концерта как основная форма. При этом I часть пишется в сонатной форме с двойной экспозицией (первый раз ее излагает оркестр, второй, с некоторыми изменениями – солист). В конце части помещается виртуозная каденция – эпизод, исполняемый одним солистом.

Как правило, в ту пору каденция не записывалась композитором, а отмечалась особым значком в партии солирующего инструмента. Солисту здесь предоставлялась полная свобода импровизации, демонстрации своих виртуозных способностей. Эта традиция сохранялась довольно долго, и лишь в постбетховенскую эпоху каденция стала записываться авторами, приобретая важное значение в развитии идеи сочинения.

Но если каденция в том или ином виде включается в инструментальный концерт и в наши дни, то двойное экспонирование главных тем постепенно исчезло.

II, медленная часть, не имеет какой-либо прочно установившейся формы, зато III часть, быстрый финал, пишется в сонатной форме либо рондо.

Развитие инструментального концерта в XIX-XX веке

Жанр концерта прошел большой путь становления и развития, подчиняясь стилевым тенденциям того или иного периода времени. Отметим лишь наиболее важные, узловые моменты.

Концерт пережил свое новое рождение в творчестве Бетховена. Если у Моцарта он еще был наделен чертами развлекательности, то Бетховен решительно подчинил его идейным задачам, сблизил с симфонией.

Симфонизацию концерта продолжили композиторы эпохи романтизма. Под влиянием симфонической поэмы части концерта слились в одну непрерывно развивающуюся композицию. Творцом такого 1-частного концерта был . Он же придал ему блистательно-виртуозный облик.

Инструментальный концерт в творчестве Мендельсона, Шопена, Шумана, Грига обнаруживает стремление к лиризации. Это, в свою очередь, привело к снижению роли виртуозного элемента концерта.Если у Бетховена солирующий инструмент и оркестра были равноправны, то у романтиков первый безраздельно господствует, а второму отводится скромная аккомпанирующая роль.

Между тем бетховенские традиции симфонизированного концерта продолжали развиваться в творчестве Брамса. Влияние лирико-драматической симфонии сказалось на концертах Чайковского и особенно Рахманинова.

Новое слово в возрождении шопеновского концерта сказал . Его фортепианные концерты имели виртуозный масштаб и заставляли рояль успешно конкурировать с развитой оркестровой партией. Скрипичные концерты Прокофьева лиричны и привлекают прежде всего мелодической интерпретацией солирующего инструмента.

В творчестве композиторов XX века прослеживаются и тенденции возрождения старинного концерта. Так, пышное виртуозное «барокко» расцветает в сочинениях Гершвина и Хачатуряна, ренессанс старинных форм прослеживается в творчестве Хиндемита, Бартока и Стравинского.

Содержание статьи

КОНЦЕРТ (итал. concerto), одночастное или многочастное музыкальное произведение для одного или нескольких солирующих инструментов и оркестра. Происхождение слова «концерт» не вполне ясно. Возможно оно связано с итал. concertare («согласиться», «придти к согласию») или с лат. concertare («оспаривать», «бороться»). Действительно, взаимоотношения солирующего инструмента и оркестра в концерте содержат элементы и «партнерства», и «соперничества». Впервые слово «концерт» было применено в 16 в. для обозначения вокально-инструментальных произведений, в отличие от термина a cappella, который обозначал чисто вокальные сочинения. Концерты Джованни Габриели, написанные для собора св. Марка в Венеции, или концерты Лодовико да Виаданы и Генриха Шютца – это в основном многохорные духовные сочинения с инструментальным сопровождением. До середины 17 в. слово «концерт» и прилагательное «концертный» (concertato) продолжали относиться к вокально-инструментальной музыке, но во второй половине этого столетия сначала в Болонье, а потом в Риме и Венеции появились уже чисто инструментальные концерты.

Концерт эпохи барокко.

К началу 18 в. в обиход вошло несколько типов концерта. В концертах первого типа небольшая группа инструментов – концертино (concertino, «маленький концерт») – противопоставлялась большей группе, которая называлась, как и само произведение, кончерто гроссо (concerto grosso, «большой концерт»). Среди известных сочинений этого типа – 12 кончерто гроссо (op. 6) Арканджело Корелли, где концертино представлено двумя скрипками и виолончелью, а кончерто гроссо – более широким составом струнных инструментов. Концертино и кончерто гроссо связываются basso continuo («постоянным басом»), который представлен типичным для барочной музыки аккомпанирующим составом из клавишного инструмента (чаще всего клавесина) и басового струнного инструмента. Концерты Корелли состоят из четырех и более частей. Многие из них напоминают по форме трио-сонату, один из популярнейших жанров барочной камерной музыки; другие, состоящие из ряда танцев, более походят на сюиту .

Другой тип барочного концерта сочинялся для солирующего инструмента с аккомпанирующей группой, которая называлась ripieno или tutti. Такой концерт обычно состоял из трех частей, причем первая почти всегда имела форму рондо: вступительный оркестровый раздел (ритурнель), в котором экспонировался основной тематический материал части, целиком или фрагментами повторялся после каждого сольного раздела. Сольные разделы обычно давали исполнителю возможность блеснуть виртуозностью. Они часто развивали материал ритурнеля, но нередко состояли лишь из гаммообразных пассажей, арпеджио и секвенций. В конце части обычно появлялся ритурнель в своей исходной форме. Вторая, медленная часть концерта носила лирический характер и сочинялась в свободной форме, иногда в ней использовался прием «повторяющегося баса». Быстрая финальная часть часто бывала танцевального типа, и весьма часто автор возвращался в ней к форме рондо. Антонио Вивальди , один из самых знаменитых и плодовитых композиторов итальянского барокко, написал множество сольных концертов, в том числе четыре концерта для скрипки, известные под названием Времена года . У Вивальди есть также концерты для двух и более солирующих инструментов, где сочетаются элементы форм сольного концерта, кончерто гроссо и даже третьего типа концерта – только для оркестра, который иногда называли concerto ripieno.

Среди лучших концертов эпохи барокко можно назвать произведения Генделя , причем его 12 концертов (op. 6), опубликованные в 1740, написаны по образцу кончерто гроссо Корелли , с которым Гендель встречался во время своего первого пребывания в Италии. Концерты И.С. Баха, среди которых семь концертов для клавира, два для скрипки и шесть т.н. Бранденбургских концертов , в общем тоже следуют модели концертов Вивальди: их, как и произведения других итальянских композиторов, Бах изучал весьма ревностно.

Классический концерт.

Хотя сыновья Баха , особенно Карл Филипп Эмануэль и Иоганн Кристиан, сыграли важную роль в развитии концерта во второй половине 18 в., на новую высоту подняли жанр не они, а Моцарт . В многочисленных концертах для скрипки, флейты, кларнета и других инструментов, а особенно в 23 клавирных концертах Моцарт, обладавший неистощимой фантазией, синтезировал элементы барочного сольного концерта с масштабностью и логичностью формы классической симфонии. В поздних фортепианных концертах Моцарта ритурнель превращается в экспозицию, содержащую ряд самостоятельных тематических идей, оркестр и солист взаимодействуют как равноправные партнеры, в сольной партии достигается небывалая ранее гармония между виртуозностью и выразительными задачами. Даже Бетховен , который качественно изменил многие традиционные элементы жанра, явно рассматривал манеру и метод моцартовского концерта как идеал.

Бетховенский скрипичный концерт ре мажор (op. 61) начинается развернутым оркестровым вступлением, где основные идеи представлены в чеканной форме сонатной экспозиции. Начальная тема имеет маршеобразный вид, что типично для классического концерта, а у Бетховена данное качество подчеркнуто важной ролью литавр. Вторая и третья темы более лиричны и экспансивны, но в то же время сохраняют благородную изысканность, заданную первой темой. При вступлении солиста, однако, все изменяется. В результате неожиданного поворота на первый план выходят второстепенные мотивы оркестровой экспозиции, поданные в блестящей фактуре солирующего инструмента: каждый элемент переосмысливается и заостряется. Затем солист и оркестр соревнуются в развитии разных тем, а в репризе повторяют основной тематический материал как партнеры. Ближе к концу части оркестр замолкает, чтобы дать возможность солисту выступить с каденцией – протяженной импровизацией, цель которой продемонстрировать виртуозность и изобретательность солиста (в нынешнее время солисты обычно не импровизируют, а играют записанные каденции других авторов). Каденция по традиции заканчивается трелью, после которой следует оркестровое заключение. Бетховен, однако, заставляет скрипку напомнить лирическую вторую тему (она звучит на фоне спокойного оркестрового аккомпанемента) и после этого постепенно переходит к блестящему заключению. Вторая и третья части в концерте Бетховена связаны коротким пассажем, за которым следует каденция, причем подобная связка еще ярче оттеняет сильный образный контраст между частями. Медленная часть основана на торжественной, почти гимнической мелодии, которая дает достаточно возможностей для ее искусной лирической разработки в сольной партии. Финал концерта написан в форме рондо – это подвижная, «игровая» часть, в которой простая мелодия, своей «рубленой» ритмикой напоминающая о народных скрипичных наигрышах, перемежается с другими темами, хотя и контрастирующими с рефреном рондо, но сохраняющими общий танцевальный склад.

Девятнадцатый век.

Некоторые композиторы этого периода (например, Шопен или Паганини) полностью сохраняли классическую форму концерта. Однако они усвоили и новации, внесенные в концерт Бетховеном, такие, как сольное вступление в начале и интеграция каденции в форму части. Весьма важной чертой концерта в 19 в. стала отмена двойной экспозиции (оркестровой и сольной) в первой части: теперь в экспозиции оркестр и солист выступали вместе. Подобные новации характерны для больших фортепианных концертов Шумана, Брамса, Грига, Чайковского и Рахманинова, скрипичных концертов Мендельсона, Брамса, Бруха и Чайковского, виолончельных концертов Элгара и Дворжака. Другого рода нововведения содержатся в фортепианных концертах Листа и в некоторых произведениях других авторов – например, в симфонии для альта с оркестром Гарольд в Италии Берлиоза, в Фортепианном концерте Бузони, где вводится мужской хор. В принципе же форма, содержание и типичные для жанра приемы очень мало изменились в течение 19 в. Концерт устоял в соперничестве с программной музыкой, которая оказала сильное влияние на многие инструментальные жанры второй половины этого столетия.

Двадцатый век.

Художественные революции, совершившиеся в течение первых двух десятилетий 20 в. и периода после Второй мировой войны, не слишком сильно трансформировали основную идею и облик концерта. Даже концерты столь ярких новаторов, как Прокофьев , Шостакович , Копленд , Стравинский и Барток , не далеко отходят (если вообще отходят) от основных принципов классического концерта. Для 20 в. характерно возрождение жанра кончерто гроссо (в сочинениях Стравинского, Воан Уильямса, Блоха и Шнитке) и культивирование концерта для оркестра (Барток, Кодай, Хиндемит). Во второй половине века популярность и жизнеспособность жанра концерта сохраняются, и ситуация «прошлого в современности» типична в таких разных сочинениях, как концерты Джона Кейджа (для подготовленного фортепиано), Софии Губайдулиной (для скрипки), Лу Харрисона (для фортепиано), Филиппа Гласса (для скрипки), Джона Корильяно (для флейты) и Дьердя Лигети (для виолончели).