История оперы. Итальянская опера
В шестнадцатом веке в моду пасторали, в них присутствовали хоровые исполнения мотетов или мадригалов (музыкально-поэтические пьесы). В конце шестнадцатого века в пасторалях появились сольные вокальные номера. Это было началом зарождения оперы в привычном современному человеку виде. Этот жанр назвали drama in musica, а «опера» появилось только в первой половине семнадцатого века. Нужно отметить, что ряд продолжали называть свои произведения музыкальными драмами даже после появления и закрепления «опера».
Существует несколько видов оперы. Главным по праву считается «Большая опера» или лирическая трагедия. Она возникла после Великой Французской Революции и фактически стала главным музыкальным направлением девятнадцатого века.
История оперных театров
Первый оперный открылся в 1637 году в Венеции. Опера служила развлечению аристократов и не была доступной для простых людей. Первой крупной оперой принято считать «Дафну» Джакопо Пери, которая впервые была исполнена в 1597 году.Опера очень завоевала популярность, став любимейшим видом искусств. Литературные сюжеты опер делают их доступным и понятным видом музыкального искусства, поскольку ее воспринимать намного проще, чем традиционные без сюжета.
В наши дни за год дается около двадцати тысяч оперных представлений. Это означает, что ежедневно в мире исполняется более пятидесяти опер.
Из Италии опера быстро распространилась в другие странах Европы. С годами она стала общедоступной, перестав служить исключительно развлечением аристократов. В оперных театрах стали появляться «галерки», с которых простые горожане могли восхитительное пение.
Связанная статья
Совет 2: История возникновения салата «сельдь под шубой»
Мало кто знает, что у традиционного и любимого тысячами людей салата «сельдь под шубой» есть политический подтекст. Придумали это блюдо в далеком 1918 году, который, как известно, был для России переломным. Если верить народной легенде, «шуба» - это не название вида одежды, а аббревиатура.
Гениальное изобретение рядового повара
Трактиры еще с середины 19 века были излюбленным местом отдыха горожан. Здесь пили, ругались, общались и всеми способами доискивались правды. Нередко посетители били посуду, затевали драки, обвиняли друг друга в вынашивании революционных идей и нестройным хором пели «Интернационал». Однажды Анастас Богомилов, купец, хозяин нескольких весьма посещаемых закусочных, решил, что надо утихомирить посетителей и сделать атмосферу в его заведениях более спокойной. Случилось это в 1918 году. Один из сотрудников Анастаса повар Аристарх Прокопцев решил, что проще всего утихомирить бунтарей, если насытить их желудок. Но не просто так, а со скрытым подтекстом.
По легенде, именно Прокопцеву пришла идея создания блюда «селедка ». Сельдь являлась символом пролетариата (широко распространенный, доступный и популярный в народе продукт), овощи (картофель, лук и морковь) олицетворяли крестьянство, а свекла представляла красное революционное знамя. Популярный французский холодный соус «майонез» являлся связующим . Почему был выбран именно он, точно неизвестно. По одной из версий это был знак уважения к тем, кто совершил Великую французскую буржуазную революцию, по другой – напоминание об Антанте.
Антанта, в состав которой входила и Франция, считалась главным внешним врагом большевизма.
Почему же шуба? ШУБА – это аббревиатура, которая расшифровывалась так: «Шовинизму и Упадку – Бойкот и Анафема».
Посетители трактиров быстро оценили революционный салат. Во-первых, он был вкусным. Во-вторых, недорогим. А в-третьих, являлся прекрасной закуской для крепких спиртных напитков. Из-за большого количества майонеза люди меньше пьянели, а значит было меньше драк. Впервые в меню трактиров Богомилова салат появился перед новым 1919 годом. Может быть, поэтому «сельдь под шубой» и стала традиционным блюдом для новогоднего стола.
История возникновения салата – красивая . Насколько она правдива, никто и никогда не узнает.
Классический рецепт салата
Для приготовления традиционного салата «селедка под шубой» потребуются вареные овощи (кроме лука), свежее яблоко, сельдь и майонез.
Желательно, чтобы майонез был домашним. Если приходится использовать магазинный, то лучше брать тот, где процент жирности выше.
Вам потребуется:
- 200 г филе сельди;
- 200 г яблок;
- 200 г свеклы;
- 200 г вареного картофеля;
- 200 г ;
- 100 г лука;
- майонез.
После того как овощи сварятся, их нужно остудить, почистить и поочередно натереть на крупной терке. Лук режется максимально мелко. Филе сельди следует нарезать некрупными кубиками: не больше 1х1 см. Яблоко требуется очистить и натереть на мелкой терке. Блюдо лучше выкладывать на плоскую салатницу. Первым слоем в классическом рецепте идет картофель, затем сельдь, лук, морковь, яблоко и свекла. Каждый слой смазывается жирным майонезом.
Классический известен многим, но каждая хозяйка все равно делает «селедку под шубой» по-своему. Одни вместо яблока кладут огурец, другие исключают из ингредиентов лук, а третьи одним из слоев сыр. Некоторые шеф-повара стремятся «облагородить» блюдо и вместо сельди кладут семгу, лосось и даже морепродукты вроде креветок . Домохозяйки тоже с удовольствием экспериментируют. В интернете можно найти немало оригинальных рецептов на основе классического: «Сельдь в тулупе», «Шуба без сельди», «Селедка в новой шубе», «Сельдь в плаще».
Связанная статья
Как приготовить салат "Селедка под шубой"
Матрешки считаются исконно русским сувениром и поэтому так популярны среди туристов, приезжающих в РФ из разных стран. Тем интереснее оказывается тот факт, что эти деревянные расписные фигурки нарядных красавиц, вкладывающиеся друг в друга, имеют далеко не российские корни.
Первая русская матрешка
Прообраз веселой круглолицей русской девушки, воплощенный в классических матрешках, был привезен в Россию из Японии в начале XIX столетия. Сувенир из страны солнца представлял собой деревянные, вкладывающиеся друг в друга, фигурки японского мудреца-старика Фукурума. Они были красиво расписаны и стилизованы в духе традиций страны-прародительницы современной матрешки.
Попав в Московскую мастерскую игрушек, японский сувенир вдохновил местного токаря Василия Звездочкина и художника Сергея Малютина на создание подобных игрушек. Мастера выточили на станке и расписали похожие фигурки, вкладывающиеся одна в другую. Первым аналогом японского сувенира стала девушка в косынке и сарафане, последующие матрешки изображали милых забавных детей – мальчиков и девочек, на последней, восьмой по счету матрешке, был нарисован спеленатый младенец. Свое название , скорее всего, получила в честь распространенного в тот период времени женского имени Матрена.
Сергиево-Посадские матрешки
После закрытия мастерской в Москве, в 1900 г. изготовлением матрешек занялись мастера в Сергиевом Посаде, в учебно-показательной мастерской. Данный вид народного промысла получил большое распространение, неподалеку от столицы появились мастерские Богоявленских, Ивановых, Василия Звездочкина, переехавшего в Посад из Москвы.
Со временем, данная игрушка-сувенир приобрела такую популярность, что ее стали заказывать у русских мастеров иностранцы: французы, немцы и др. Такие матрешки стоили недешево, но полюбоваться было чем! Роспись этих деревянных игрушек становилась красочной, витиеватой, разнообразной. Русских девушек-красавиц художники изображали в длинных сарафанах и расписных платках, с букетами цветов, корзинками и узелками. В начале двадцатого столетия было налажено массовое производство матрешек для зарубежных государств.
Позже появились матрешки мужского рода, например, изображающие пастушков со свирелью, усатых женихов, бородатых стариков с клюками и т.д. Компоновались деревянные игрушки по самым разным принципам, но закономерность, как правило, обязательно прослеживалась – например, матрешки-женихи находились в паре с матрешками-невестами и родственниками.
Матрешки Нижегородской губернии
Ближе к середине XX столетия матрешка распространилась далеко за пределы Сергиева Посада. Так, в Нижегородской губернии появились мастера, которые делали матрешки в виде стройных высоких девушек в ярких полушалках. А Сергиево-Посадские умельцы изготовляли данные игрушки в виде более приземистых и пышных барышень.
Современные матрешки
Матрешка и сейчас считается одним из символов русской культуры. Современные матрешки изготавливаются в самых различных жанрах: кроме классических рисунков на них помещаются портреты известных политических деятелей, телеведущих, звезд кино и эстрады.
В Сергиевом Посаде, в Музее игрушки находятся коллекции матрешек различных мастеров начала и середины XX века, а также первая матрешка, расписанная известным художником Сергеем Малютиным.
Видео по теме
Ассоциируется у меня именно с оперой. Когда я была в Риме, мне показалось, что на каждый квартал там приходится по паре музыкальных театров. Всюду висели афиши, предлагающие обширную программу: оперы, концерты, сольные выступления известных певцов.
Смутно знакомые каждому из нас с детства забавные песенки "Фигаро тут, Фигаро там", "Сердце красавицы склонно к измене" являются русским переводом арий из известных итальянских опер "Севильский цирюльник" и "Риголетто".
Действительно ли Италия - родина оперы?
Да, именно здесь зародился этот музыкальный жанр еще в 15-м веке. Он вырос из так называемых "духовных мистерий", которые исполнялись многоголосьем в церквях на праздниках. Эти прародительницы современной оперы писались только на библейские сюжеты, но постепенно жанр стал выходить за пределы храмов. Со временем либретто (содержание) становилось более светским, и музыканты создавали свои произведения, черпая вдохновения в сюжетах известных писателей, народных легендах, сказках.
Постепенно опера распространилась по всей Европе. Сейчас в лучших театрах мира наряду с итальянскими музыкантами можно услышать немецких, русских и французских мастеров. В одном ряду с ними стоят такие гиганты как немец Рихард Вагнер, француз Жорж Бизе, русские композиторы Николай Римский-Корсаков и Модест Мусоргский.
Достижения итальянского оперного искусства
1) Величайшими музыкантами в этом жанре считаются именно итальянцы: Джузеппе Верди ("Риголетто", "Травиата", "Аида", "Набукко"), Джоаккино Россини ("Севильский цирюльник", "Отелло", "Итальянка в Алжире"), Гаэтано Доницетти ("Любовный напиток", "Лючия ди Ламмермур").
2) Самые известные оперные певцы тоже итальянцы. Даже людям, далеким от оперного искусства, знакомы такие имена как Энрико Карузо, Чечилия Бартолли, Лучано Паваротти, Андреа Бочелли.
3) Итальянские оперные театры - самые лучшие в Европе. Это и знаменитый миланский "Ла Скалла", и Римский оперный театр, и "Арена ди Верона".
4) Произведения итальянских музыкантов есть обязательно в репертуаре каждого сезона каждого уважающего себя оперного театра, в какой бы стране он не находился. Некоторые режиссеры пытаются внести современные нотки в классические постановки, но получается у них далеко не всегда.
Человеку любой профессии неплохо знать истоки, корни дела, которому он посвятил свою жизнь. Как зарождалась опера?
Все началось в XVII веке. Именно тогда зародились многие жанры и виды музыкального искусства, в том числе опера, которая оказала в последующие столетия решающее влияние на основные жанры инструментальной музыки и симфонизма. Что такое опера по сути? Это синтетическое искусство, опера объединяет музыку, театр, литературу, танец, живопись. Подумайте сколько всего нужно для оперы: литературный (или какой-то другой) первоисточник, музыка, либретто, декорации, костюмы, освещение, балет, актерское мастерство… И все это в неразрывной связи между собой.
Вы наверняка знаете, что опера родилась в Италии в 1600 году. Началось все с того, что члены кружка Camerata флорентийского мецената Джованни Барди увлеклись возрождением античной музыки. В это общество входили так же Якопо Корси, Винченцо Галилеи (нет, это не однофамилец, а отец Галилео Галилеи), Якопо Пери, Джулио Каччини, Оттавио Ринуччини (поэт). В результате их деятельности образовался монодический одноголосный вокальный стиль и были написаны оперы «Дафна» и две «Эвридики» (первая Ринуччини-Пери, вторая — Каччини) на сюжет «Орфея и Эвридики», который, кстати, будет воплощаться в оперы на протяжении столетий. Тогда же зародился и вечный спор, что важнее — слова или музыка. Слышали когда-нибудь выражение «Prima la musica e poi le parole»? Так вот, во флорентийской опере главными были слова, поэт был важнее композитора.
Как вы понимаете, Италия большая, а Рим слишком важен для всей человеческой истории, чтобы не существовало римской оперы… Здесь тоже был кружок, возглавляла который семья Барберини. Они были родственниками Папы Римского, и здесь опера получила клерикальный характер, то есть в ней пропагандировались христианские идеи, прославлялась церковь. Однако, результаты оказались даже лучше, чем у флорентийцев. Здесь были арии, хоры, ансамбли, пели кастраты (женщинам запрещалось петь в опере), появились оркестровые антракты между действиями. Примерами римских опер служат «Святой Алексей» («Il Sant’Alessio») Стефано Ланди и «Галатея» Лоретто Виттори.
Первым крупнейшим оперным композитором можно считать Клаудио Монтеверди (забавно, что в XIX веке появится другой гениальный оперный композитор — просто Верди). Жил он в 1567-1643 годах в Мантуе, а затем в Венеции. Монтеверди стал первым создателем подлинной музыкальной драмы. Он написал еще одного «Орфея» в 1607 году, другой его известной оперой является «Коронация Поппеи» (1642). Монтеверди средствами музыки показывал разнообразные характеры, драматические ситуации.
Конечно, без Венеции в истории становления оперы не обошлось. Венецианская школа стала лидером к середине XVII века. Именно здесь в 1637 году открылся ПЕРВЫЙ публичный оперный театр Сан-Касьяно, то есть опера стала общедоступна. Здесь же появилось то, за что оперу часто ругали: симпатичные мелодии, все внимание на сольное пение, превращение оперы в концерт в костюмах, комические вставки (которые потом переросли в оперу-буффа). Примером оперы венецианской школы служит «Золотое яблоко» Марко Чести.
И куда же вся итальянская культура без Неаполя! Именно этому городу перешла ведущая роль со второй половины XVII века. Здесь образуются Консерватории, первоначально служившие приютами для детей-сирот. И тут же мы знакомимся со вторым из выдающихся оперных композиторов — Алессандро Скарлатти (1600-1725). Он сочинил, только представьте — свыше 100 опер! Теперь арии стали передавать душевные переживания героя, а речитативы двигали действие вперед. Арии сочинялись в форме да капо — первая часть, средняя и повторение первой с украшениями на вкус певца. Речитативы делиилсь на сэкко — в сопровождении клависина и аккомпаньято — с богатой мелодической линией и сопровождением оркестра. Сформировалась увертюра.
Что же было в других странах? Неужели только итальянцы додумались до оперы? Конечно нет. Во Франции в конце 1650 годов прошли премьеры французских опер «Неблагодарная немая» и «Пастораль» Камбера на слова Перрена, хотя это были по сути итальянские оперы на французский текст. Они даже первыми получили патент на открытие Королевской академии музыки, но не смогли справиться с обязанностями. Тут на сцену вступает Жан Батист Люлли. Именно он считается родоначальником французской оперы. Интересно, что на самом деле он тоже итальянец — флорентиец. Но тем не менее он так упорно взялся за дело, что создал лучший оркестр в Европе, сочинил 19 опер. Французская опера — это пять актов с прологом и с условностями в сценическом поведении, патетикой, обязательным балетом.
Как насчет немцев? Первая немецкая опера — «Дафна» Генриха Шютца. В 1678 году в Гамбурге был открыт оперный театр. Создатель немецкой оперы — Рейнхард Кайзер. Однако по большому счету немецкая опера началась с Карла Марии фон Вебера, но это было намного позднее.
Что до Англии, то здесь первое имя всему — Генри Перселл. Единственная его опера — «Дидона и Эней», зато какая!
Вот так зарождалась опера в Европе. Что было в России? У нас сначала царило засилье иностранных трупп, итальянской оперы. Потом композитор Франческо Арайа, служивший при русском дворе, написал оперу на слова Сумарокова, а затем уже появились первые русские оперы Фомина, Соколовского, Березовского и других. Но настоящая русская национальная опера начинается с М. И. Глинки.
Вконтакте
Сформировавшись как жанр в Италии, опера с 1597 г. быстро распространилась по всей Европе. Однако законодателями мод в новом виде искусства неизменно оставались итальянские композиторы, такие как Клаудио и Алессандро Скарлатти.
Зародившись как "драма под музыку", опера к началу XIX в. превратилась в чисто музыкальное представление, в котором речитативу - ритмичной декламации нараспев - почти не осталось места, а в сюжет спектакля органично вписались арии. Ария (буквально "воздух") - это продолжительный сольный номер. На время исполнения арии все сценическое действие замирало, и ею же обычно завершалось почти каждое явление.
Сохранившийся в диалогах речитатив обычно сопровождался аккордами чембало (клавесина), когда обмен репликами происходил в процессе развития действия, и вступлениями всего оркестра для выражения сильных чувств или переживании.
В те времена ария представляла собой сольный номер типа da capo ("сначала"), т. е. вначале исполнялась главная тема, за нею второстепенная, после чего следовало повторение главной темы. В третьей части, совершенно излишней с точки зрения сюжета, демонстрировалось вокальное мастерство исполнителя, и, собственно, ради этого в оперу включалась вся ария. Знаменитые певцы украшали свои партии столь виртуозными пассажами, что те, в конце концов, превратились в невероятно сложные вокальные номера, приводившие публику в неистовый восторг.
Величайшими оперными исполнителями той эпохи были кастраты - певцы-мужчины, в детстве подвергшиеся кастрации, чтобы сохранить мальчишеское сопрано. Такой голос, подкрепленный силой взрослого организма, отличался поразительной чистотой и гибкостью, и в XVIII веке сердца публики пленяли выдающиеся певцы-кастраты, одним из которых был Фаринелли (1705-82).
Опера-сериа
Вплоть до XIX в. ведущие партии в операх-сериа ("серьезных операх") исполняли мужские сопрано, и лишь позднее им на смену пришли тенора. Опера-сериа была весьма далеким от реальной жизни действом, а ее сюжеты - как правило, эпизоды из античной истории в вольной трактовке - поражают современную аудиторию своей искусственностью. Однако именно в этом жанре итальянская опера завоевала всю Европу, где практически все спектакли исполнялись на итальянском языке. Даже немец Гендель и великие реформаторы оперы Глюк и Моцарт писали музыку на итальянские либретто. Лишь во Франции сформировалась собственная национальная традиция, основы которой заложил Жан Батист Люлли. Впрочем, и он начинал свой жизненный путь во Флоренции под именем Джованни Баттиста Лулли.
Опера-буффа
К середине XVIII века с оперой-сериа стала соперничать опера-буффа, или комическая опера. В этом веселом музыкальном спектакле с быстрой сменой событий действовали простые люди в обычных житейских ситуациях, и, даже попадая в нелепые или затруднительные положения, персонажи проявляли реальные эмоции (не в пример высокопарным излияниям в опере-сериа). В опере-буффа высмеивались всем знакомые пороки, скажем, жадность и тщеславие. Предложив зрителю совершенно иную традицию, опера-буффа тоже получила значительное распространение за пределами Италии, а во Франции даже спровоцировала памфлетную "войну буффонов". В этом жанре работали блестящие композиторы Перголези, Паизиелло и Чимароза.
В XVIII в. четкая грань между серьезной и комической оперой постепенно стерлась, и в серьезной опере начали появляться комические персонажи и эпизоды. С развитием ансамблей, в которых разные персонажи, ведя общую мелодию, одновременно выражали разные чувства, ария утратила свои ведущие позиции. Эти и ряд других перемен придали опере большую гибкость и драматизм. К 1800 г. подошла к закату эпоха кастратов, хотя в исполнении солиста - теперь, как правило, женщины (примадонны) - по-прежнему звучали сложнейшие виртуозные арии, популярность которых иногда даже затмевала славу их исполнителя!
Россини
Сколь бы ни были велики достижения минувших эпох, золотым веком итальянской оперы по праву стал век XIX. Первым великим композитором новой формации был Джоаккино Россини, плодовитый гений, с равным блеском писавший серьезные и комические оперы. По сей день пользуются любовью публики его комические оперы "Итальянка в Алжире" (1813) и знаменитый "Севильский цирюльник" (1816). Последняя была написана за неполных две недели, причем некоторые фрагменты автор позаимствовал из своих старых сочинений.
| Открытие бизнеса в ОАЭ смотрите на http://waltoncons.com . |
В 1824 г. Россини переехал в Париж, ставший к тому времени музыкальной столицей Европы, и принялся писать оперы во французском стиле с такой же легкостью, как и в итальянском. Его "Вильгельм Телль" (1829) - грандиозная опера о легендарном швейцарском лучнике - настолько затянута, что в наши дни редко исполняется без купюр. Зато увертюра к ней (оркестровое вступление до поднятия занавеса) стала популярнейшим классическим произведением.
После "Вильгельма Телля" маэстро перестал писать для сцены, хотя к тому времени едва достиг 37-летнего возраста и пребывал в расцвете сил и таланта. Причины такого решения до сих пор остаются загадкой. Остаток жизни -39 лет - Россини провел в полном довольстве и благополучии.
Романтики
На последователей Россини оказал глубокое влияние романтизм - идейное и художественное направление в европейской и американской духовной культуре, почитавшее высшими ценностями борение страстей и крайний индивидуализм.
Подлинным трагическим шедевром стала опера Гаэтано Доницетти "Лючия ди Ламмермур" (1835) по мотивам романа В. Скотта "Ламмермурская невеста". А эпизод воображаемого венчания обезумевшей Лючии с погибшим возлюбленным стал, пожалуй, самой знаменитой "сценой безумия" в истории оперы. Подобные сцены были весьма популярны в романтических операх, где неизменно бушевали трагические страсти.
Отдавая должное романтическим страданиям, итальянцы не потеряли вкуса к комической опере; тот же Доницетти мастерски работал в обоих жанрах, оставив потомкам около 70 опер. Его современник Винченцо Беллини умер в молодые годы, успев создать лишь несколько признанных шедевров, в том числе "Норму" (1831), действие которой вполне в духе романтизма и происходит в среде галльских друидов, ведущих борьбу с римскими завоевателями. Доницетти и Беллини были мастерами бельканто (дословно "прекрасное пение"). От орнаментального стиля эпохи кастратов бельканто отличается изысканным лиризмом, которому мастер способен придать глубину подлинного чувства.
Верди
Величайшим итальянским оперным композитором был Джузеппе Верди, проживший долгую 87-летнюю жизнь и создавший целый ряд бессмертных произведений - от "Оберто" (1830) до "Фальстафа" (1893). Верди - выходцу из бедной крестьянской семьи - удалось найти богатого покровителя, согласившегося оплачивать его учебу. Но Миланская консерватория, не выявив в юноше таланта, отказала ему в приеме, и добиваться успеха ему пришлось упорным трудом и частными уроками.
С первых же шагов композиторской карьеры Верди испытал несколько тяжких ударов - провал ранних произведений, а затем смерть жены и двоих детей. Одно время он был, казалось, готов навсегда забросить сочинительство, но, к счастью, один благосклонный импресарио показал ему либретто (литературный текст) "Набукко". Вдохновленный героическим сюжетом, Верди тотчас взялся за дело, и в 1842 г. состоялась премьера новой оперы. Своим огромным успехом она была отчасти обязана знаменитому хору "Va pensiero", в котором плененные в Вавилоне иудеи тоскуют по утраченной родине. Итальянцы усмотрели здесь намек на собственное угнетенное положение под властью Австрии, и в последующих операх Верди то и дело появлялись сцены со скрытым патриотическим смыслом.
Оперные шедевры
Между тем, в 1850-е гг. из-под пера Верди одна за другой выходят прославившие его имя оперы: "Риголетто" (1851), "Трубадур" (1853) и "Травиата" (1853), в которых мелодическое богатство сочетается с глубиной человеческих переживаний.
К вершинам творчества Верди также принадлежит грандиозная "египетская" опера "Аида" (1871) и два созданных на склоне лет шедевра по мотивам шекспировских пьес - "Отелло" (1877) и "Фальстаф" (1893). Яркий романтизм и немного утрированные персонажи Верди много лет царили на оперной сцене, пока в 1890 году не заявило о себе развивающееся творческое направление - веризм, или реализм. Новые оперы впервые вывели на сцену простых крестьян и других персонажей из низов общества, в них неистово бурлили житейские страсти.
Наибольшую известность снискали две короткие оперы, часто исполняемые в одном спектакле - "Сельская честь" (1890) Пьетро Масканьи и "Паяцы" (1892) Руджеро Леонкавалло. В обеих перед зрителем разворачиваются истории любви и ревности, и обе заканчиваются гибелью героев.
Пуччини
Достойным преемником Верди был Джакомо Пуччини, привнесший в оперу свой блестящий дар мелодиста. Многие из его арий - к примеру, знаменитая ария Калафа из оперы "Турандот" - буквально у всех на слуху и давно стали "популярной классикой".
Первый успех принесла своему создателю опера "Манон Леско" (1893). Рассказывают, что после премьеры занавес поднимался не менее 50 раз. Три последующих произведения вошли в золотой фонд оперной классики: "Богема" (1896) о жизни и любви нищих парижских поэтов и художников; мелодраматичная "Тоска" (1900) и "Мадам Баттерфляй" (1904), печальная история любви юной японки. Его перу также принадлежит оперный "вестерн" "Девушка с Запада" (1910), и полная мрачной романтики китайская опера "Турандот". Работу над последней оперой, прерванную смертью композитора в 1924 г., завершил Франческо Альфано, и премьера "Турандот" состоялась в 1926 г.
С уходом Пуччини завершилась великая лирико-драматическая традиция итальянской оперы XIX в.
Знаете, в каком итальянском городе возникла опера? Где впервые открыли постоянный оперный театр? Где окончательно сложился жанр итальянской оперы? Что значит bel canto? Как повлияло на развитие оперы творчество Джоаккино Россини или Джузеппе Верди? Обо всем этом можно прочесть в статье.
Родина оперы - Италия . Вызванный к жизни гуманистическими идеалами эпохи итальянского Возрождения , этот жанр возник в конце XVI в. В единении поэзии, музыки и театра группа просвещенных флорентийских поэтов и музыкантов искала пути к возрождению античного театра, к созданию синтетического искусства, способного правдиво выразить человеческие чувства. Флорентинцы провозгласили господство поэзии над музыкой; отказавшись от средневековой полифонии, выдвинули новый, гомофонпо-речитативный стиль. По словам Б. Асафьева, речитативные пасторали флорентинцев были «своего рода пропилеями» к опере.
Итальянский баритон Маттиа Баттистини был самым старым действующим оперным певцом. Он дал свои последние концерты в 1927 году, когда ему исполнился 71 год. По свидетельству очевидцев, его голос был все еще чист и выразителен.
Наивысшее достижение итальянской оперы XVII в. - творчество двух замечательных композиторов: Клаудио Монтеверди (1567-1643) и Алессандро Скарлатти (1660-1725).
В течение первой половины XVII в. опера постепенно формировалась как жанр, приобретая новое направление в своем развитии: выйдя за пределы узкого круга флорентийских поэтов и музыкантов, она соприкоснулась с широкой аудиторией в Мантуе, в Риме , затем в Венеции , где в 30-х гг. XVII в. был открыт первый в мире постоянный оперный театр. Камерные спектакли флорентинцев сменились пышными театральными постановками; в то же время музыка стала брать перевес над текстом - декламационный стиль постепенно вытеснялся кантиленой.
По силе звука бывают следующие голоса: обычный - 80 децибел, концертный - 90 децибел, опереточный – 100, голос в комической опере – 110, оперный – 120 и голос во всемирно известной опере - громче 120 децибел. Для сравнения, сверхзвуковой самолет «Конкорд» производит шум в 130 децибел.
Монтеверди работал в Мантуе, а затем в Венеции , где создал лучшие свои сочинения. Это был первый великий оперный композитор, воплотивший на театральной сцене сильные характеры и большие страсти. Он обогатил оперу рядом новых музыкальновыразительных средств; напевную декламацию соединил с кантиленой; мелодику, гармонию и оркестровое письмо подчинил драматическому замыслу. Опередив свою эпоху, Монтеверди шел но пути создания реалистической музыкальной драмы.
В спектаклях последующих итальянских композиторов драматическое содержание постепенно отходило на второй план; при этом в оперной музыке все больше и больше возрастала роль виртуозного пения.
Слово «опера» переводится с итальянского как «труд», «сочинение».
Развитие итальянской оперы во второй половине XVII и в XVIII в. связано с пышным расцветом вокального искусства. Творчество А. Скарлатти положило основание прославленной неаполитанской школе, которая на рубеже XVII и XVIII вв. заняла главенствующее место, принадлежавшее ранее венецианской школе. Переняв опыт флорентийских, римских и венецианских мастеров, неаполитанцы использовали их творческие достижения. В Неаполе окончательно сложился жанр итальянской оперы, где музыка господствовала над текстом, где определились типы вокальных форм и достигло высокого расцвета певческое искусство. Замечательные итальянские певцы прославились по всему миру не только прекрасными голосами, но и высочайшим вокальным мастерством, получившим название bel canto. Однако на претяженин XVIII в. искусство bel canto постепенно принимало все более внешний, виртуозный характер. Лучшие итальянские певцы владели творческим даром импровизации; исподняя арии, они варьировали их и импровизировали каденции. Пытаясь подражать прославленным мастерам bel canto, менее талантливые вокалисты часто переходили в своем исполнении границы художественно оправданного.
Учительница пения Энрико Карузо, знаменитого оперного певца, утверждала, что он абсолютно лишен слуха и голоса.
Увлечение певцов виртуозной техникой влияло и на творчество композиторов. Уступая вкусам публики и привычкам певцов, композиторы часто перегружали арии виртуозными украшениями. Приобретая внешний блеск, музыка постепенно теряла ту эмоциональную выразительность, которой было отмечено творчество А. Скарлатти и его ближайших последователей. Певцывиртуозы заняли в опере первое место, оттеснив на второй план композитора и либреттиста. Сочиняя оперу, приходилось прежде всего обеспечивать «эффектными номерами» выступающих в ней любимцев публики.
Оперный театр Театро Массимо, расположенный в Палермо на площади Верди, является третьим по величине в Европе и крупнейшим в Италии. При этом театр славится превосходной акустикой.
Творчество Джоаккино Россини (1792-1868) явилось как бы связующим звеном в развитии итальянской оперы, завершая ее предшествующий этап и положив начало новой национальной школе. В комических операх композитора (лучшая из них - «Севильский цирюльник»), с их смелым, злободневным содержанием, опера buffa достигла наивысшего расцвета.
Из идейно-драматического кризиса вывел итальянскую оперу Джузеппе Верди (1813-1901), смелый новатор, горячий, убежденный и последовательный поборник реалистических принципов итальянской литературы эпохи национально-освободительного движения.
Если основоположником национальной оперной школы был Россини, то в творчестве Верди она достигла наивысшего расцвета. Композитора, равного Верди по значению и по силе дарования, Италия ие имела ни при жизни Верди, ни после его смерти. Первые героические оперы композитора, появившиеся в 40-х гг., были рождены нараставшим подъемом революции, когда все культурные силы страны включились в освободительное движение. Убежденный демократ и патриот, Верди создавал искусство высокоидейное и вместе с тем доступное широким массам. Величайшая заслуга музыканта в том, что с первых творческих шагов, опираясь па традиции национальной оперы и отстаивая национальную самобытность, он шел по пути новаторства, по пути неутомимых поисков драматической правды.
