Американские художники 19 века. Художники США - Соединённые Штаты Америки Картины американских художников. Смотреть что такое "американская живопись" в других словарях

" Книги дают мне огромное чувство личного и творческого удовлетворения. Когда я работаю над книгой, я желаю, чтобы телефон никогда не звонил. Мое удовлетворение приходит от реальных следов на бумаге."

Американский иллюстратор детских книг Pinkney Jerry родился 22 декабря 1939 года в Germantown. В средней школе его любовь и талант к рисованию был замечен карикатуристом John Liney, который предложил ему продолжать карьеру художника. После окончания Dobbins Vocational School Pinkney получил полную стипендию для обучения в Philadelphia Museum College of Art. Позже он переехал в Бостон, где работал в области дизайна и иллюстрации, в конце концов он открыл собственную студию - Jerry Pinkney Studio, а позже переехал в Нью-Йорк. Pinkney Jerry по-прежнему живет и работает в Нью-Йорке, за годы своей творческой карьеры он проводил семинары в Университета, школах - искусств по всей стране.

"Я хотел показать, что может сделать афро - американский художник в этой стране на национальном уровне в изобразительном искусстве. Я хочу быть сильной ролевой моделью для моей семьи и для других афро-американцев."

Алена Вантяева

Американская пейзажная живопись девятнадцатого века была представлена двумя основными течениями: романтизмом и реализмом. С присоединением к Соединенным Штатам Америки новых территорий, в том числе с продвижением переселенцев на Запад, художникам открылись и неизвестные ранее горизонты для вдохновения. Изображение американской природы и ее национального своеобразия стало основной темой в пейзажном искусстве.

Одной из наиболее известных и влиятельных школ живописи США в девятнадцатом веке стала Школа реки Гудзон, образованная в 1850-е годы последователями творчества художника-пейзажиста Томаса Коула (расцвет его творчества пришелся на 20-40-е годы 19 века). В основном в Школу входили художники из Нью-Йоркской Национальной Академии художеств, а также других творческих объединений. На полотна художников Гудзонской школы и их эстетическое видение мира оказало влияние романтическое течение в искусстве. Основным мотивом творчества более 50-ти ее представителей было изображение дикой природы Америки, зачастую показанной в идеалистическом свете. Чаще всего объектами изображения становилась Гудзонская долина и близлежащие территории, а также горы. Гудзонская школа скорее объединяла людей, вдохновленных общей идеей, чем являлась образовательным институтом.

Картины художников Школы реки Гудзон изображали не только красоту американской природы, но и имели определенный тематический характер. На полотнах изображались сцены открытия, исследования, заселения Американского континента. Одной из особенностей изображения американского пейзажа было невероятно гармоничное, мирное сосуществование человека и природы. В работах художников природа изображалась как эталон чистоты и девственности, подчеркивалась божественность её происхождения.

Наиболее выдающимися художниками Школы реки Гуздон считаются Альберт Биерштадт (1830-1902) и Фредерик Эдвин Чёрч (1826-1902).

Среди наиболее удивительных и известных полотен, написанных Чёрчем и подчеркивающих природную красоту воды, гор и неба, можно отметить “Ниагарский водопад” и “Сердце Анд”.

“Falls of Niagara”, 1857, Corcoran Gallery of Art in Washington D.C.

“Heart of the Andes” 1859, Metropolitan Museum of Art New York

Американский художник с немецкими корнями Альберт Биерштадт поразил публику своими горными пейзажами на огромных холстах. Одним из самых впечатляющих художника является полотно “Скалистые горы”.

“The Rocky Mountains” by Albert Bierstadt, 1863, Metropolitan Museum, New York

В оппозиции к идеалистическому восприятию окружающего мира художников Гудзонской школы выступало реалистическое искусство Уинслоу Хомера (1836-1910). Он также обучался при Национальной Академии художеств, однако предметом изображения на его полотнах стали реалии середины девятнадцатого века. Во время Гражданской войны в США (1861-1865) Хомер был военным художником. Факт его участия в военных операциях повлиял на правдивость изображения военных сцен. Одной из наиболее известных является его картина “Пленные с фронта”. После окончания войны, У.Хомер писал полотна, черпая вдохновение из обыденной мирной жизни, однако и в ней он находил интересные сюжеты.

“Prisoners from the Front” by W.Homer, 1866, Metropolitan Museum in New York

Девятнадцатый век принес с собой нелегкие испытания для американского народа. Однако, несмотря на все сложности переустройства американского общества, многое было приобретено. С включением в состав США новых территорий, людям открылись новые просторы и красоты американской земли, а события Гражданской войны снабдили людей "пищей для размышления". Переживания американского народа не могли не найти своего отражения в искусстве. Вероятно, поэтому американская пейзажная живопись в девятнадцатом веке достигла своего расцвета.

Подробности Категория: Изобразительное искусство и архитектура XIX века Опубликовано 08.08.2017 11:47 Просмотров: 1925

В 1776 г. Америка провозгласила свою независимость, и с этого времени фактически начинается развитие национального изобразительного искусства, которое было призвано отображать историю страны.

Художники XVIII в. в большинстве своём были самоучками и основывались на стиле британского искусства.
А в XIX в. уже была создана первая школа живописи – Школа реки Гудзон.

Школа реки Гудзон

Школа реки Гудзон – так называлась группа американских художников-пейзажистов. Их творчество развивалось в стиле романтизма . Картины изображали долину реки Гудзон и её окрестности. Художники чаще всего изображали дикую природу Америки и ставили под сомнение целесообразность технического прогресса.

Томас Коул «Оксбоу» (1836). Музей Метрополитен (Нью-Йорк)
Школа реки Гудзон не была однородным явлением в живописи того времени: например, существовало ответвление в стиле импрессионизма , которое назвали люминизм . Люминизм большое внимание уделял восприятию художником света. От импрессионизма люминизм отличается тем, что здесь больше внимания уделяется деталям, делается скрытый мазок. Но в общем эти два стиля схожи.

Фитц Генри Лейн «Корабль в тумане» (1860)
Основателем Школы был художник Томас Коул. Он выехал на реку Гудзон осенью 1825 г. Затем к нему присоединился его близкий друг Ашер Браун Дюран. Другие художники Школы:

Альберт Бирштадт
Джон Уильям Касильер
Фредерик Эдвин Чёрч
Томас Коул
Сэмюэл Колмен
Джаспер Фрэнсис Кропси
Томас Доути
Роберт Скотт Данкансон
Сэнфорд Робинсон Гиффорд
Джеймс Макдугал Харт
Уильям Харт
Уильям Стэнли Хасельтайн
Мартин Джонсон Хеди др.

Живопись художников Гудзонской школы отличалась простотой и непосредственностью.

Томас Коул (1801-1848)

Томас Коул родился в Англии. В 1818 г. его семья эмигрировала в Соединённые Штаты. Азы профессии Коул получил у бродячего художника-портретиста Стейна. Но портретная живопись не была для него успешной, и он начал писать пейзажи . Удавались ему и аллегорические картины, например, серия «Путешествие жизни», состоящая из картин о четырёх периодах жизни человека: детстве, юности, зрелости и старости. Этот цикл хранится в Национальной художественной галерее (Вашингтон, США)

Т. Коул «Детство»
На первой картине художник изобразил ребенка в лодке, которая плывёт по реке жизни. Этой лодкой управляет ангел, т.к. ребёнок ещё не способен к самостоятельности. Его кругозор, как и на картине, ограничен. Фигура на носу лодки держит песочные часы, символизирующие время.

Т. Коул «Юность»
Эта же лодка, но в ней уже юноша. Он уже самостоятельно управляет лодкой, но ангел всё равно не оставляет его – наблюдает за ним с берега.

Ангел продолжает наблюдать за человеком, но тот погружён в свои проблемы, которые одолевают его – это подчёркивают мрачный колорит картины, деревья, поваленные бурей...

Т. Коул «Старость»
И вот уже жизненный путь человека подходит к концу. Фигуры с песочными часами на лодке уже нет – время земной жизни закончено. И лодка вся одряхлела...
Ангел-хранитель сошел к нему, чтобы направить его дальнейший путь в мир иной, а вдали видны другие ангелы. Коул так говорил об этой картине: «Путы телесного существования отпадают, и разум уже в состоянии узреть проблески вечной жизни».

Уинслоу Хомер (1836-1910)

Фотография 1880 г.
Американский художник и график, основоположник реалистической живописи. Наиболее известен своими морскими пейзажами. Писал маслом и акварелью. Его творчество оказало влияние на всё последующее развитие американской живописи.
Хомер испытывал влияние различных художественных течений, но основывался прежде всего на чисто американских сюжетах.
Его живопись раннего периода – светла и безмятежна, а для последнего периода характерны тёмные тона и трагические темы.

У. Хомер «Сигнал тумана». Бостонский музей изящных искусств (США)
Тема картины – борьба человека с морем, соотношение хрупкой человеческой жизни и вечной природы.

Томас Каупертуэйт Икинс (Эйкинс) (1844-1916)

Американский художник, фотограф, педагог, крупнейший представитель американской реалистической живописи.

Т. Икинс. Автопортрет (1902)
Окончил Пенсильванскую академию изящных искусств, далее совершенствовал своё мастерство в Европе, в основном в Париже под руководством Жана Леона Жерома. Преподавал в академии изящных искусств, был её директором.
Уделял большое внимание изучению и изображению обнажённой натуры, проявляя свободомыслие, за что был уволен. В живописи Икинса и его фотографиях обнажённое и полуобнажённое тело занимает главное место. Ему принадлежит множество изображений спортсменов. Особенный интерес Икинса вызывала передача движений человеческого тела.

Т. Икинс «Плавание» (1895)
Писал портреты в многофигурном окружении.
Самое известное произведение – «Клиника Гросса».

Т. Икинс «Клиника Гросса» (1875)
На картине изображён известный филадельфийский хирург Сэмюэл Гросс, который руководит операцией перед студентами медицинской академии. Художник изображает доктора Гросса гением человеческой мысли, но картина шокировала современников своей реалистичностью.
Т. Икинс известен также рядом значительных портретов, в том числе портрет американского поэта и публициста Уолта Уитмена (1887-1888), который сам поэт считал лучшим.

Т. Икинс. Портрет Уитмена (1887)

Джеймс Эббот Макнил Уистлер (1834-1903)

Англо-американский художник, портретист, мастер офорта и литографии . Предшественник импрессионизма и символизма .

Д. Уистлер. Автопортрет. Институт искусств (Детройт)
Родился в Лоуэлле (штат Массачусетс). Его отец, Джордж Вашингтон Уистлер, известный инженер-железнодорожник, в 1842 г. был приглашён для строительства дорог в Россию, он проектировал Николаевскую железную дорогу. В России Джеймс посещал Академию художеств. В США учился в военном училище, но был отчислен за неуспеваемость.

Д. Уистлер «Аранжировка в сером и чёрном. Мать художника (1871). Музей Орсе (Париж)
Это наиболее известная работа Джеймса Уистлера.
Учился живописи в Париже, затем в Венеции (занимался акварельными зарисовками и офортами).
В первый период творчества Уистлера сближало с импрессионизмом стремление запечатлеть первое впечатление от предмета – пейзажа или человека. Но по многим вопросам он расходился с импрессионистами: не одобрял культ пленэра, заранее обдумывал цветовую тональность. В поздних произведениях Уистлер использует крайне разведённые, по-акварельному прозрачные краски, которые передают ощущение зыбкой подвижности атмосферной среды.

Д. Уистлер «Симфония в сером и зеленом океане» (1866-1872)

Бытовой жанр

Большое развитие в американской живописи XIX в. получил бытовой жанр. Сначала этот жанр основывался на изображении провинциальной жизни с картами, танцами и т.д.

Истмен Джонсон «Счастье заброшенного дилижанса» (1871)
Но после того, как в США началась промышленная революция и урбанизация, художники стали изображать быт жителей крупных городов.

Джон Гаст «Американский прогресс» (около 1872)
На картине изображена аллегорическая Колумбия с учебником в руках. Она ведёт цивилизацию на запад вместе с американскими переселенцами, дорогой протягивая телеграфную линию. На картине показаны разные виды экономической деятельности первых поселенцев, история транспорта. Индейцы и дикие животные изображены убегающими от переселенцев.

«Школа мусорных вёдер»

На рубеже XIX и XX вв. в США наблюдался быстрый рост крупных городов. Фотоаппараты того времени ещё не могли использоваться для оперативной съёмки происшествий, поэтому новостные газеты нанимали художников для иллюстраций. Так сформировалась «Школа мусорных вёдер», в состав которой входили Роберт Генри, Гленн Колман, Джером Майерс и Джордж Беллоуз. Главными объектами зарисовок студийцев были улицы с их типичными представителями: беспризорниками, проститутками, уличными артистами и иммигрантами. Происхождение, образование и политические взгляды этих художников были различными. Но Роберт Генри считал, что быт и деятельность бедноты, пролетариата и среднего класса достойны воплощения в живописи – это реалии времени.

Джордж Беллоуз «Помощь медсестры Эдит Кавелл» (1918)
«Школа мусорных вёдер» совершила революцию в изобразительном искусстве США, она была предтечей

Американские художники очень разношерстные. Кто-то был явным космополитом, как Сарджент. По происхождению американец, но почти всю сознательную жизнь проживший в Лондоне и Париже.

Есть среди них и аутентичные американцы, которые изображали жизнь только своих соотечественников, как Роквелл.

А есть и вовсе художники не от мира сего, как Поллок. Или те, чьё искусство стало продуктом общества потребления. Это, конечно, об Уорхоле.

Тем не менее, все они американцы. Свободолюбивые, дерзкие, яркие. О семи из них читайте ниже.

1. Джеймс Уистлер (1834-1903 гг.)

Джеймс Уистлер. Автопортрет. 1872 г. Институт искусств в Детройте, США.

Уистлера сложно назвать настоящим американцем. Повзрослев, он жил в Европе. А детство и вовсе провёл … в России. Его отец строил железную дорогу в Петербурге.

Именно там мальчик Джеймс и полюбил искусство, посещая Эрмитаж и Петергоф благодаря отцовским связям (тогда ещё это были закрытые для публики дворцы).

Чем знаменит Уистлер? В каком бы стиле он ни писал, от реализма до тонализма*, его почти сразу можно узнать по двум признакам. Необычные цвета и музыкальные названия.

Часть его портретов – это подражание старым мастерам. Как, например, его знаменитый портрет «Мать художника».

Джеймс Уистлер. Мать художника. Аранжировка в сером и черном. 1871 г.

Художник создал удивительную работу, используя цвета от светло-серого до темно-серого. И немного желтого.

Но это не значит, что Уистлер любил такие цвета. Он был человеком неординарным. Легко мог появиться в обществе в желтых носках и с ярким зонтом. И это тогда, когда мужчины одевались исключительно в чёрное и серое.

Есть у него и гораздо более светлые работы, чем «Мать». Например, «Симфония в белом». Так картину назвал один из журналистов на выставке. Уистлеру эта идея понравилась. С тех пор почти все свои работы он называл по-музыкальному.

Джеймс Уистлер. Симфония в белом # 1. 1862 г. Национальная галерея Вашингтона, США

Но тогда, в 1862 году, «Симфония» публике не понравилась. Опять же из-за своеобразных цветовых решений Уистлера. Людям казалось странным писать женщину в белом на белом фоне.

На картине мы видим рыжеволосую любовницу Уистлера. Вполне в духе прерафаэлитов. Ведь тогда художник дружил с одним из главных зачинателей прерафаэлизма, Габриэлем Россетти. Красавица, лилии, необычные элементы (шкура волка). Все как полагается.

Но Уистлер быстро отошёл от прерафаэлизма. Так как ему была важна не внешняя красота, а настроение и эмоции. И он создал новое направление – тонализм.

Его пейзажи-ноктюрны в стиле тонализма и вправду похожи на музыку. Монохромные, тягучие.

Сам Уистлер говорил, что музыкальные названия помогают фокусироваться на самой живописи, линиях и цвете. При этом не думая о месте и людях, которые изображены.

Джеймс Уистлер. Ноктюрн в синем и серебряном: Челси. 1871 г. Галерея Тейт, Лондон
Мэри Кассат. Спящий ребенок. Пастель, бумага. 1910 г. Музей искусств в Далласе, США

Но она осталась верна своему стилю до конца. Импрессионизм. Мягкая пастель. Матери с детьми.

Ради живописи Кассат отказалась от материнства. Но ее женское начало все чаще проявлялось именно в таких нежных работах, как «Спящий ребёнок». Жаль, что консервативное общество поставило ее когда-то перед таким выбором.

3. Джон Сарджент (1856-1925 гг.)

Джон Сарджент. Автопортрет. 1892 г. Музей Метрополитен, Нью-Йорк

Джон Сарджент был уверен, что всю жизнь будет портретистом. Карьера складывалась удачно. Аристократы выстраивались в очередь, чтобы сделать ему заказ.

Но однажды художник по мнению общества перешагнул черту. Нам сейчас сложно понять, что же такого недопустимого в картине «Мадам Икс».

Правда в первоначальной версии у героини была опущена одна из брителек. Сарджент ее «поднял», но это делу не помогло. Заказы сошли на нет.

Джон Сарджент. Мадам Х. 1878 г. Метрополитен музей, Нью-Йорк

Что же непристойного увидела публика? А то, что Сарджент изобразил модель в слишком самоуверенной позе. Да ещё полупрозрачная кожа и розовое ушко весьма красноречивы.

Картина как бы говорит, что эта женщина с повышенной сексуальностью не прочь принимать ухаживания других мужчин. Притом будучи замужем.

К сожалению, за этим скандалом современники не разглядели шедевра. Темное платье, светлая кожа, динамичная поза – простое сочетание, которое дано найти только самым талантливым мастерам.

Но нет худа без добра. Сарджент получил взамен свободу. Начал больше экспериментировать с импрессионизмом. Писать детей в непосредственных ситуациях. Так появилась работа «Гвоздика, лилия, лилия, роза».

Сарджент хотел поймать определенный момент сумерек. Поэтому работал только 2 минуты в день, когда освещение было подходящим. Работал летом и осенью. А когда цветы завяли, заменил их искусственными.

Джон Сарджент. Гвоздика, лилия, лилия, роза. 1885-1886 гг. Галерея Тейт, Лондон

В последние десятилетия Сарджент так вошёл во вкус свободы, что и вовсе начал отказываться от портретов. Хотя репутация его уже восстановилась. Одну клиентку он даже грубо отшил, сказав, что с большим удовольствием напишет ее калитку, нежели ее лицо.

Джон Сарджент. Белые корабли. 1908 г. Бруклинский музей, США

Современники относились к Сардженту с иронией. Считая его устаревшим в век модернизма. Но время расставило все по своим местам.

Сейчас его работы стоят не меньше, чем работы самых прославленных модернистов. Ну а уж о любви публики и говорить нечего. На выставках с его работами всегда аншлаг.

4. Норман Роквелл (1894-1978 гг.)

Норман Роквелл. Автопортрет. Иллюстрация к выпуску журнала «The Saturday Evening Post” от 13 февраля 1960 г.

Сложно представить более популярного художника при жизни, чем Норман Роквелл. Несколько поколений американцев выросло на его иллюстрациях. Любя их всей душой.

Ведь Роквелл изображал обычных американцев. Но при этом показывая их жизни с самой позитивной стороны. Роквелл не хотел показывать ни злых отцов, ни равнодушных матерей. Да и несчастных детей вы у него не встретите.

Норман Роквелл. Всей семьей на отдых и с отдыха. Иллюстрация в журнале Evening Saturday Post от 30 августа 1947 года. Музей Нормана Роквелла в Стокбридже, Массачусетс, США

Его работы полны юмора, сочных цветов и очень умело схваченных из жизни выражений лиц.

Но это иллюзия, что работы давались Роквеллу легко. Чтобы создать одну картину, он мог сначала сделать до сотни фотографий со своими моделями, чтобы уловить верные жесты.

Работы Роквелла оказывали колоссальное влияние на умы миллионов американцев. Ведь он часто высказывался с помощью своих картин.

Во время Второй Мировой войны он решил показать, за что борются солдаты его страны. Создав в том числе картину «Свобода от нужды». В виде дня благодарения, на которой все члены семьи, сытые и довольные, радуются семейному празднику.

Норман Роквелл. Свобода от нужды. 1943 г. Музей Нормана Роквелла в Стокбридже, Массачусетс, США

Через 50 лет работы в Saturday Evening Post Роквелл ушёл в более демократичный журнал «Look», где смог выражать свои позиции о социальных проблемах.

Самая яркая работа тех лет – «Проблема, с которой мы живём».

Норман Роквелл. Проблема, с которой мы живем. 1964 г. Музей Нормана Роквелла, Стокбридж, США

Это реальная история чернокожей девочки, которая пошла в школу для белых. Так как был принят закон о том, что люди (а значит и учебные заведения) больше не должны разделяться по расовому признаку.

Но гневу обывателей не была предела. По дороге в школу девочку охраняла полиция. Вот такой «рутинный» момент и показал Роквелл.

Если хотите узнать жизнь американцев немного в приукрашенном свете (какой они сами хотели ее видеть), обязательно смотрите картины Роквелла.

Пожалуй, из всех представленных в этой статье живописцев, Роквелл – самый что ни на есть американский художник.

5. Эндрю Уайет (1917-2009 гг.)

Эндрю Уайет. Автопортрет. 1945 г. Национальная академия дизайна, Нью-Йорк

В отличие от Роквелла, Уайет не был так позитивен. Затворник по характеру, он не стремился ничего приукрашивать. Наоборот, изображал самые обычные пейзажи и ничем не примечательные вещи. Просто пшеничное поле, просто деревянный дом. Но умудрялся даже в них подсмотреть что-то магическое.

Самая известная его работа – «Мир Кристины». Уайет показал судьбу одной женщины, своей соседки. Будучи парализованной с детства, она передвигалась по окрестностям вокруг своей фермы ползком.

Так что ничего романтичного в этой картине нет, как может показаться сначала. Если приглядеться, то у женщины болезненная худоба. А зная, что у героини парализованы ноги, понимаешь с грустью, насколько ей ещё далеко до дома.

На первый взгляд Уайет писал самое обыденное. Вот старое окно старого дома. Ветхая занавеска, которая уже начала превращаться в клочья. За окном темнеет лес.

Но во всем этом какая-то загадочность. Какой-то некий другой взгляд.

Эндрю Уайет. Ветер с моря. 1947 г. Национальная галерея Вашингтона, США

Так дети умеют смотреть на мир незашоренным взглядом. Так смотрит и Уайет. И мы вместе с ним.

Всеми делами Уайета занималась его супруга. Она была хорошим организатором. Именно она контактировала с музеями и коллекционерами.

Романтики в их отношениях было мало. Муза обязана была появиться. И ей стала простая, но с неординарной внешностью Хельга. Именно её мы встречаем на многочисленных работах.

Эндрю Уайет. Косы (из серии «Хельга»). 1979 г. Частная коллекция

Казалось бы, мы видим всего лишь фотографичное изображение женщины. Но почему-то от неё сложно оторваться. Слишком сложный у неё взгляд, напряженные плечи. Мы как бы вместе с ней внутренне напрягаемся. Силясь найти объяснение этого напряжению.

Изображая действительность во всех деталях, Уайет волшебным образом наделял ее эмоциями, которые не могут оставить равнодушными.

Художника долго не признавали. Со своим реализмом, пусть и магическим, он никак не вписывался в модернистские тренды 20 века.

Когда музейщики покупали его работы, то старались делать это тихо, не привлекая внимания. Выставки его организовывали редко. Но на зависть модернистам они всегда имели оглушительный успех. Люди приходили толпами. И до сих пор приходят.

6. Джексон Поллок (1912-1956 гг.)

Джексон Поллок. 1950 г. Фото Ханса Намута

Джексона Поллока невозможно обойти стороной. Он перешёл определённую черту в искусстве, после чего живопись не могла быть прежней. Он показал, что в искусстве вообще можно обойтись без границ. Когда положил холст на пол и забрызгал его краской.

А начал этот американский художник с абстракционизма, в котором все же прослеживалось фигуративное. В его работе 40-х годов «Стенографическая фигура» мы видим очертания и лица, и рук. И даже понятные нам символы в виде крестиков и ноликов.

Джексон Поллок. Стенографическая фигура. 1942 г. Музей современного искусства в Нью-Йорке (МОМА)

Его работы хвалили, но покупать не спешили. Он был беден, как церковная мышь. И безбожно пил. Несмотря на счастливый брак. Его жена преклонялась перед его талантом и делала все для успеха мужа.

Но Поллок изначально был личностью надломленной. С самой юности по его поступкам было понятно, что ранняя смерть – его удел.

Эта надломленность в результате и приведёт его к смерти в 44 года. Но он успеет совершить революцию в искусстве и прославиться.

Джексон Поллок. Осенний ритм (номер 30). 1950 г. Музей Метрополитен в Нью-Йорке, США

А получилось у него это в период двухлетней трезвости. Он смог плодотворно работать в 1950-1952 годах. Он долго экспериментовал, пока не пришёл к капельной технике.

Раскладывая огромный холст на полу своего сарая, он ходил вокруг него, находясь как бы в самой картине. И разбрызгивал или просто лил краску.

Эти необычные картины у него начали охотно покупать за невероятную оригинальность и новизну.

Джексон Поллок. Синие столбы. 1952 г. Национальная галерея Австралии, Канберра

Поллок был оглушен славой и провалился в депрессию, не понимая, куда ему двигаться дальше. Смертельная смесь алкоголя и депрессии не оставила ему шансов на выживание. Однажды он сел за руль сильно пьяным. В последний раз.

7. Энди Уорхол (1928-1987 гг.)

Энди Уорхол. 1979 г. Фото Артура Тресса

Только в стране с таким культом потребления, как в Америке, мог родиться поп-арт. И главным его зачинателем был, конечно, Энди Уорхол.

Прославился он тем, что брал самые обыденные вещи и превращал их в произведение искусства. Так случилось с банкой супа Кэмпбелл.

Выбор был не случаен. Мать Уорхола кормила сына каждый день таким супом более 20 лет. Даже когда он переехал в Нью-Йорк и взял свою мать с собой.

Энди Уорхол. Банки супа «Кэмпбелл». Полимер, ручная печать. 32 картины 50х40 каждая. 1962 г. Музей современного искусства в Нью-Йорке (МОМА)

После этого эксперимента Уорхол увлёкся трафаретной печатью. С тех пор он брал изображения поп-звёзд и раскрашивал их в разные цвета.

Так появилась его знаменитая разукрашенная Мэрилин Монро.

Таких Мэрилин кислотных цветов было выпущено несметное количество. Искусство Уорхол поставил на поток. Как и полагается в обществе потребления.

Энди Уорхол. Мэрилин Монро. Шелкография, бумага. 1967 г. Музей современного искусства в Нью-Йорке (МОМА)

Раскрашенные лица придуманы Уорхолом не на пустом месте. И вновь не обошлось без влияния матери. В детстве во время затяжной болезни сына она таскала ему пачками раскраски.

Это детское увлечение переросло в то, что стало его визитной карточкой и сделало его баснословно богатым.

Он раскрашивал не только поп-звёзд, но и шедевры предшественников. Досталось и .

«Венер», как и Мэрилин было сделано немало. Эксклюзивность произведения искусства «стёрта» Уорхолом в порошок. Для чего художник это делал?

Чтобы популяризировать старых шедевров? Или, наоборот, попытаться их обесценить? Обессмертить поп-звёзд? Или приправить смерть иронией?

Энди Уорхол. Венера Боттичелли. Шелкография, акрил, холст. 122х183 см. 1982 г. Музей Э. Уорхола в Питтсбурге, США

Его раскрашенные работы Мадонны, Элвиса Пресли или Ленина порой более узнаваемы, чем изначальные фото.

А вот шедевры вряд ли удалось затмить. Все равно первозданная «Венера» остаётся бесценной.

Уорхол был заядлым тусовщиком, привлекая к себе массу маргиналов. Наркоманы, неудавшиеся актеры или просто неуравновешенные личности. Одна из которых однажды выстрелила в него.

Уорхол выжил. Но через 20 лет из-за последствий когда-то перенесённого ранения, умер в одиночестве в своей квартире.

Плавильный котёл США

Несмотря на короткую историю американского искусства, диапазон получился широченный. Среди американских художников есть и импрессионисты (Сарджент), и магические реалисты (Уайет), и абстрактные экспрессионисты (Поллок), и зачинатели поп-арта (Уорхол).

Что ж, американцы любят свободу выбора во всем. Сотни конфессий. Сотни наций. Сотни направлений искусства. На то он и плавильный котёл Соединенных Штатов Америки.

Вконтакте

Ребята, мы вкладываем душу в сайт. Cпасибо за то,
что открываете эту красоту. Спасибо за вдохновение и мурашки.
Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте

Яркие пятна, брызги света, искрящийся воздух - эти художники видят мир трогательно красивым и восхитительно цветным.
сайт предлагает взглянуть на мир глазами этих волшебников. Вашему вниманию подборка картин современных импрессионистов, мастерски владеющих цветом и светом.

Работы болгарского художника Цвиатко Кинчева в стиле импрессионизма - это цифровая живопись: они выполнены на компьютере, в программе Photoshop. Невероятно сочные творения художника подчеркивают красоту и яркость окружающего мира.

Голландский художник Вильям Хенритс работает акварелью, акрилом и пастелью. Его творения - это удивительная нежность, звенящий воздух, которым дышат его краски, его изящные линии. Работы Вильяма известны во всем мире в виде высококачественных постеров и литографий.

Юрий Петренко родился в Сочи. Профессионально занимается живописью около 20 лет. Сочные цвета, милые домики, корабли и море. От его картин веет жарким солнцем и соленым ветерком. Работы находятся в частных коллекциях практически во всех странах мира.

Армянский художник Овик Зограбян появился на свет в семье известного художника и скульптора Никогоса Зограбяна. За характерными для импрессионизма штрихами проступает уникальный стиль самого художника. Его уютные цветные города, яркие домики наполнены солнцем и счастьем.

Линда Вайлдер - канадская художница. Линда обожает писать пейзажи, а мастихин - один из любимых ее инструментов. Яркие, точные мазки, тонко подмеченные оттенки и линии - картины Линды есть в корпоративных и частных коллекциях в Канаде и по всему миру.

Китайско-американский художник Кен Хонг Лунг тонко чувствует цвет и умеет передать магию покоя. Его рыбацкие деревни и пейзажи берегов стали сенсацией в художественных кругах Гонконга. Кен считается одним из лучших мировых художников-неоимпрессионистов. Его называют хозяином заколдованных пейзажей, мечтательных настроений и магических отражений света и цвета.

Йохан Мессели живет и работает в Бельгии. Его картины отражают уютный мир тенистых провинциальных двориков, старинных калиточек и добрых окошек. Йохан умеет передать небрежными штрихами умиротворение и тихое счастье. Работает художник маслом и пастелями.

Джилл Чарук - современная канадская художница. Двадцать лет творила в индустрии одежды и интерьера. Она обожает утрировать цвета, усиливать контрасты. Ее яркие картины получили международное признание, они есть в коллекциях современного искусства в Северной Америке, Мексике и Европе. Джилл пишет в основном маслом и акрилом.