Художник который пил абсент. Любительницы абсента пабло пикассо
Абсент (франц. absinthe) - крепкий алкогольный напиток, изготавливаемый с использованием полыни, обладающий зеленоватым цветом и крепостью до (70 - 75)°. Абсент также иногда называют полынной водкой.
История спиртных напитков, настоянных на полыни, началась в древности.
Плиний Старший (23 - 79 гг. н.э.) упоминал о вине с экстрактом полыни для терпкости. В Древней Греции победитель в гонке колесниц выпивал из кубка вино, настоянное на полыни и впитавшем ее экстракт. Это вино должно было напоминать победителю, что слава имеет не только приятную, но и гоpькую, ожесточенную сторону.
Древние греки применяли полынную настойку и в лекарственных целях, а в средневековой Англии было распространено горячее пиво с полынью, называвшееся "purl".
Он, однако, осторожно записывает с непосредственностью и правдой только визуальное впечатление, которое захватывается, глядя на такую картину. В его картине есть только разумный факт, то есть только глаз ловит инстинкт: свет и цвет. К формам и пространству он совершенно безразличен.
На этом изображении ощущение, а точнее впечатление, визуализируется синтезом света и цвета. И это синтез, основанный на мгновенном восприятии. Запись, которая дает картину восприятия, касается мгновенного момента. Через мгновение после того, как видение может быть другим, потому что свет изменился, а вместе с ним цветные тона, которые он рассеивает в атмосферу. Но остается ощущение, сделанное из экологических и атмосферных предложений, которые художник видит в качестве свидетельства своего видения и своих чувств.
Рецепт современного абсента появился в конце XVIII века, а история его возникновения в общих чертах выглядит следующим образом. Некая мадам Энрио в Швейцарии изготовляла лечебную настойку из полыни, которую и употребляла. Этой настойкой заинтересовался французский доктор по имени Пьер Ординер, проживавший в маленькой деревне в западной Швейцарии.
Пьер Ординер начинает экспериментировать с дикорастущей полынью, изучая её свойства. Предположительно в 1792 г. он разработал рецепт настойки для пациентов, которая включала следующие травы: полынь, анис, иссоп, мелисса, ясенец, аир, фенхель, кориандр, вероника, ромашка и даже петрушка. Рецепт стал популярным. После смерти мадам Энрио её дочери (по другой версии рецепт попал к этим сестрам после смерти Пьера Ординера) продали рецепт майору Дюбье, который вместе с Анри-Луи Перно организовал первое промышленное производство абсента в г. Понтарлье (Франция). Затем во Франции и Швейцарии появилось несколько компаний, занимавшихся производством и продажей абсента и конкурирующих между собой. В общем, в XIX столетии производство и продажа абсента составляли целую отрасль промышленности.
Следует отметить, что в этом контексте, хотя неясно, важную роль играет водное зеркало порта. Большая часть импрессионистской живописи и, в частности, Моне, вода всегда играет ключевую роль. Он отражает изображения, искажающие их. Это мерцающее видение, которое отражается в воде, уже является импрессионистским изображением. И это позволяло художникам представлять изображения с прикосновением свободы, обычно притягивающимися к комическим и комическим, которые сразу же синтезируют их поэтику беглеца.
Импрессионисты всегда проявляют большой интерес к городу, и в частности к Парижу, который они считают местом веселья и мирства, а также местом для формирования культуры. К этому интерес также добавляется предрасположенность ко всему современному. Поэтому неудивительно, что железнодорожные станции, большая новинка, появляющаяся в этих городах города, привлекают их внимание. Многие посвящают несколько картин железнодорожным станциям. В этом мы видим большую структуру железа и стекла, которая покрывает станцию, но на картине она охватывает большую массу пара, в которой вы можете видеть формы поездов, людей и зданий на заднем плане.
Абсент стал особенно популярным напитком во Франции во второй половине XIX века. Существовали даже специальные кафе и клубы для поклонников абсента. С 1875 по 1913 годы во Франции потребление абсента на душу населения выросло в 15 раз, например, в 1913 году французы выпили около 40 миллионов литров абсента. В 1837 году абсент появляется в Америке в Новом Орлеане под фирменными названиями "Зеленый Опал" ("Green Opal") и "Млечный путь" ("Milky Way"). Абсент стал модным и даже получил ещё одно название - "Зелёная Фея", так как утвердилось мнение, что абсент рождает в сознании причудливые образы.
На практике, как и вода, даже пар, созданный поездами, хорошо подходит для того, что исчезает изображение, которое создает впечатление движения. Интерес художника к воде и изображениям, которые там отражались, всегда были постоянными во всем его художественном произведении. В этот период Моне также построил плавающее ателье: на барже, на практике, он адаптировался к мобильной студии, с помощью которой он мог путешествовать по реке Сена и захватывать все изображения, которые он хотел.
В этом холсте видны его мазки в разы, использование чистых цветов и отсутствие черного, которые являются основными чертами импрессионистского стиля, наряду с простой воздушной печатью холста. На этих полотнах художник ищет свет и как он может изменить восприятие реальности. Поэтому он представляет собор в несколько часов дня и с различными атмосферными условиями, каждый раз достигая разных живописных результатов. Иногда собор кажется дематериализованным, иногда он кристаллизуется в более резких формах, но свет изменяет хроматическое восприятие в каждом случае, так что его фасад меняет цвет в зависимости от времени суток.
Особую популярность абсент приобрел среди творческой богемы того времени. Как известно, творческие люди любят все неординарное и необычное, возможно поэтому их притягивал ритуал потребления абсента, а возможно необыкновенный вкус и цвет напитка и его возбуждающее действие. Но так или иначе, но считалось, что абсент пробуждает новое восприятие мира, приносит с собой творческое вдохновение, необыкновенные чувства и ощущения. Даже пронесся слух, что после выпитого стакана абсента женщины гораздо желаннее. Абсент пили и восхваляли, художники увековечивали его в картинах, писатели и поэты - в своих произведениях, называя абсент "Зеленой Музой".
Набор из тридцати полотен действительно впечатляет и впечатляет, так как один и тот же объект дает тридцать разных изображений. И в этом Моне пытается доказать одно из фундаментальных предположений импрессионистического движения, что восприятие реальности сильно отличается от ментального и рационального знания того же самого, поскольку вначале оно вступает в игру непрерывным и изменяющимся потоком света и движения, так что каждый момент восприятия всегда отличается от другого, даже сразу после этого.
Картина, демонстрирующая, как стиль импрессионизма в Моне никогда не встречался снова. Сравнивая эту картину с предыдущими, очевидно, однако, что его техника представления движется в сторону большего упрощения, а прикосновение кисти все меньше и меньше изменяет реальность, позволяя перейти к представлениям почти абстрактных эффектов цвета, но с большим декоративным качеством. Субъект, по его словам, полностью обрамлен тем, что ищет мгновенный момент, который предлагается здесь непрерывным движением ветра, который вместе толкает женщину, облака и лужайку лужайки.
Во всех парижских кафе от Латинского квартала до Монмартра время от 5 до 7 часов вечера стали называть «l"heure verte» (зеленое время), когда происходил почти священный «абсентный ритуал». Многочисленные любители и любительницы абсента в стакан с этим изумрудным горьким «нектаром» наливали по капле воду через перфорированную ложечку с куском сахара, от чего напиток мгновенно становился молочно-желто-зеленым, и с наслаждением потягивали эту мутную смесь с сильным анисовым привкусом. Иногда сахар пропитывали абсентом (или просто наливали абсент в стакан через сахар) и поджигали - выглядело очень эффектно, и напиток казался настоящим «зеленым змием».
Находясь в своем поместье Живерни, живописные исследования Моне все больше фокусировались на представлении цветов природы, полностью исчезающих в его картинах человеческой фигурой. В этих картинах Моне стал еще более упрощать свою живопись с холстами, которые имеют большую формальную элегантность.
Он начал свою деятельность как мальчик, украшающий фарфор, ткань и фантазию. С середины 1960-х годов его картина была впечатляющей. Картины этого периода характеризуются обычными воздушными изображениями. В них есть легкость и веселый тон, которые делают его высшей радостью. Ренуар также непревзойден в визуализации женских фигур, особенно в обнаженном виде.
Абсент потребляли художники Эдуард Мане, Ван Гог, Пабло Пикассо, поэты Гийом Аполлинер, Поль Верлен, Эрнест Доусон, Артюр Рембо, автор сюрреалистических пьес Альфред Жари, писатели Эдгар По, Мопассан, а также Оскар Уальд и многие другие.
В 1859 году Эдуард Мане создал свою знаменитую картину "Любитель абсента", которая хранится сегодня в копенгагенской Новой глиптотеке Карлсберга (владельца крупнейшей датской пивной компании Carlsberg, известного коллекционера и мецената).
В 1865 году подобное произведение, вошедшее в мировую классику, было написано бельгийским художником Фелисьеном Ропсом, а в 1876 году великий Дега воплотил ту же тему в своем полотне «Абсент». Ван Гог в 1887 году написал натюрморт с графином и бокалом абсента. Не обошли абсент своим вниманием Бодлер, Верлен, Золя, Тулуз-Лотрек, Модильяни и Виктор Гюго, обычно начинавшие и заканчивающие день стаканчиком «зеленой феи» в одном из кафе Монпарнаса. Рассказывают, что Анри де Тулуз-Лотрек, не в силах выносить даже кратковременную разлуку с любимым напитком, носил его с собой в специальной фляжке, вделанной в рукоять трости.
Его образы создаются светом, который через тысячу рефлексов и рефракций составляет необычный, но увлекательный образ. Он отказался от легкости импрессионистского периода, чтобы открыть новый период, который он сам определил как «агро». Его картины расширились до более неоклассического духа, и не было странного путешествия, которое он совершил в Италии, и дал ему возможность познакомиться с великими художниками прошлого. Пострадавший от ревматоидного артрита, его деятельность художника продолжалась до смерти.
Эта картина принадлежит к сцене, на которой Ренуар работал локоть с Клодом Моне. Место выглядит как пейзаж, но на самом деле это городское место по преимуществу. Здесь они заставили парижан проводить счастливые и беззаботные часы, ходить, плавать, грести в лодке. Место не имеет монументального присутствия, которое отмечает его пространство. Это среда, созданная из неопасных элементов: вода, воздух, светофильтры между деревьями. И, несомненно, эти элементы - единственный способ создать очарование такой среды.
Пабло Пикассо в 1901 году написал картину "Любительница абсента" (эта картина ныне находится в Эрмитаже).
Вот здесь я позволю себе остановиться, поскольку у Пикассо (оказывается!!!) есть ТРИ картины, посвященные любительнице абсента. Названия у них разные, но все они написаны в 1901 году. Смотрим!
Ренуар стремится понять ощущение присутствия в месте восприятия света и цветов. Все делается с удивительной непосредственностью. Видение, которое впереди, постоянно движется. Огни и отражения в воде меняются. Ренуар пытается исправить все на холсте, не замораживая их непрерывное становление. Формы, благодаря этому размытому и размытому ощущению, что картина передает, похоже, находятся в равновесии между двумя последующими моментами. Между двумя последующими ходами.
Холст насыщен заштрихованными мазками кисти, более тонким в нижней части рисунка, более тонким в верхней части, чтобы передать виртуозное ощущение перспективы, полученное только огнями и цветами, в самой чистой тональной традиции. Обратите внимание на темно-зеленый цвет листьев дерева на кольцевой развязке, которые отлично закрывают первый этаж снизу, обрабатываются разными оттенками зеленого; в этом втором плане несколько штрихов белого-небесного могут дать идеальную иллюзию дальнейшей плоскости глубины.
Пабло Пикассо Любительница абсента 1901 г. Эрмитаж
Пабло Пикассо Пьющая абсент 1901 г. Нью-Йорк
Пабло Пикассо Абсент 1901 г. Эрмитаж
Картина из-за ее мягкого и беззаботного содержания, для ее исполнительной техники, сделанной из прерывистых штрихов, является полностью импрессионистской работой и остается одним из самых заметных свидетельств деятельности Ренуара, но все картины Французский импрессионист девятнадцатого века.
Эта картина также стала символом импрессионизма. В нем, прежде всего, это молодой и оптимистичный дух, который характеризует художников, но также и то, что радость жизни, как правило, парижская, которая также включает в себя популярные классы, которые находят свои места для досуга в барах вдоль Сены для кажущейся бездумной жизни.
Пабло Пикассо Абсент 1902 г.
Pablo Picasso Les deux saltimbanques (Arlequin et sa compagne).
Pablo Picasso Portrait d"Angel Fernandez de Soto. 1903 г.
И еще!
Как-то весной 1914 года Пикассо сделал восковую скульптуру бокала абсента. Отвергая обычные формы, художник открыл одну из его стенок, чтобы абсент мог литься подобно фонтану в бассейн, а сам бокал вылепил в форме сильно деформированной человеческой головы: открывающаяся стенка - глаз с тяжелым нависшим веком, который повторяется на противоположной закрытой стороне «лица», крупный нос и огромная верхняя губа, хорошо подчеркивающая движение абсента к бассейну нижней губы. Коническое основание бокала - шея. Верх головы открыт и снабжен своеобразной «шляпой» в виде серебряной перфорированной ложки с бронзовым кусочком сахара. С модели этой скульптуры было сделано шесть бронзовых отливок, которые Пикассо расписал по-разному. Скорее всего, художник пытался как-то объяснить воздействие этого напитка непосредственно на мозг пьющего.
Мулен де ла Галетт был популярным местом на Монмартре, где вы вышли на улицу. По сравнению с Гренуиллером, на этой картине Ренуар больше фокусируется на цифрах, которые заполняют пространство зрения. Многие из персонажей изображены друзьями художника.
Вся картина пронизана расслабленным и спокойным чувством. Люди все улыбаются. Они защищены свежей тенью, которая отражает на них ясный, но ненавязчивый свет. В чистейшей тональной традиции Ренуар реализует пространства и объемы только с учетом цвета. Его мазка на этой картинке не является обычным скрученным прикосновением, но простирается в извилистом и нитевидном узоре.
Пабло Пикассо Стакан для абсента 1914 г.
Техника: Бумага, уголь, пастель, гуашь
Размеры: 65,2 х 49,6 см
Картина была создана в 1901 году. Пикассо использовал следующую технику при творении: бумага, пастель, уголь и гуашь. На данный момент «Абсент» находится в коллекции Государственного Эрмитажа в Санкт-Петербурге.
На картине мы видим человека, который, не спеша, пьет свой придающий силу напиток. Томящий взгляд героя картины, суматоха и шум от толпы веселящегося народа сливается в одно целое, чье очертание и окраску становится тяжело разобрать. Дым и шум - все это, вроде, и близко, но, с другой стороны, оно где-то там так далеко, оно вовсе не волнует душу. Остался один собеседник в виде бокала и наполняющего его напитка. Возможно, человек на картине грустит, тоскует о чем-то, возможно, просто расслабился от ежедневной суматохи. С каждым глотком его уносит куда-то, мысли становятся легкими, и он забывает обо всем…
Очень сомнительно, если эта картина была или не была сделана на месте. Его продуманная разработка предполагает, что на самом деле Ренуар сделал это в своей студии. Однако он не теряет свежесть и перцептивную непосредственность. Чувство заключается в том, что рамка представляет собой рамку сплошной пленки. И это не рассказать историю, а выразить глубокое жизненное чувство.
То, что остается, вероятно, самой известной картиной Ренуара - это почти синтез всего, что импрессионизм принес в качестве инновационного заряда во французской и европейской живописи. Концепция, на которой она основана Ренуар и что цвет объекта и определяется не только его отраженным светом, но и от отраженного света, а затем хроматично определяется, из объектов, которые его окружают. Так что если женщина и помещены в место, освещенного светом фильтруется через листья определяется такой результат: стороны непосредственно освещенные солнцем взять розовый цвет более типичный плоти, другие части, а не получать свет, и не более белый и в хорошем зеленый процент, который затем определяет другую раскраску цвет лица.
Абсент приобрел особую популярность среди творческой богемы. Как всем нам известно, все творческие люди любят что-то необычное и неординарное, может быть, поэтому их притягивал ритуал по потреблению абсента, а возможно, и сам необыкновенный вкус, зеленоватый цвет напитка, а также его возбуждающее действие. Но, как бы ни было, считали, что абсент пробуждает в человеке новое восприятие мира, приносит творческое вдохновение, а также необыкновенные ощущения и чувства.
С научной точки зрения теоретической позиции, из которой часть Ренуар он делает поворот, и на самом деле результат, к которому прибывает и большой визуальный реализм. «Завтрака из гребцов» и рамочный построили несколько лет после „Бал в Мулен де ла Галетт“, и это во многом вариация на тему. Полотно изображает ресторан Фурнез в Буживале, где он обычно очутились спортсмены, которые практикуют этот вид спорта на реке Сене. Место посещают импрессионистов Ренуара и в этом полотне также художник Гюстав Кейллботт.
Женщина на переднем плане, который имеет в своих руках маленькой собачки, и Элины Шарий, будущая жена Ренуара. Рамки и одна из последних «импрессионистов» картины Ренуара и уже сделал это чувствует отход от предыдущих работ. Там и больше его характеристика прикосновение немного тягучий и цифры взять на себя более классической солидности. Даже эффекты света меньше заботятся, в то время как там и больше внимания цветового баланса между различными поверхностями, которые составляют полотно.
Пабло Пикассо застал "цветущий" период абсента, он, как и многие другие именитые художники, запечатлел неотъемлемость данного напитка от повседневной жизни многих людей. Помимо картины «Абсент», в 1901 году по данной тематике он создал еще такие знаменитые картины, как "Любительница абсента" и "Пьющая абсент". Все эти творения относятся к "Голубому периоду".
В чем была популярность абсента на то время? Почему многие творцы в своих шедеврах упоминали о данном напитке?
Даже существовал слух, что после одного выпитого стакана абсента женщина становится гораздо желанней и привлекательней. Данный напиток пили и восхваляли, а художники увековечивали его в своих картинах, поэты и писатели — в своих произведениях. Все они, без исключения, называли абсент "Зеленой Музой".
Итак, любители «Зеленой музы» - это целая серия в искусстве от Мане и Тулуз-Лотрека до Гогена, Ван Гога, Дега и Пикассо. Все они пили абсент, любили этот напиток, писали о его любителях. Согласитесь, что во всем этом была какая-то завораживающая тайна.
2. "Первое причастие". 1896 г
Техника: Холст, масло
Размеры: 118 х 166 см
Коллекция: Барселона, Музей Пикассо
Картина «Первое причастие» была создана 15-летним Пикассо по совету отца для Выставки изящных искусств в Барселоне в 1896 году. В это время Пабло учился в Школе изящных искусств Ла-Лонха. Один из его преподавателей Гарнело Альда (1866-1944), весьма успешный испанский художник, специализировался на живописи «высокого» академического исторического жанра, что предполагало в том числе создание картин и на религиозно-мифологические сюжеты. В его мастерской было собрано множество необходимых для подобной работы предметов: церковные одеяния, потиры, подсвечники, своеобразные «декорации», имитирующие алтарь, церковную паперть. Так как Гарнело Альда являлся коллегой дона Хосе Руиса (и андалусцем по происхождению), юному художнику было позволено воспользоваться этой студией. Картина не была отмечена премией на выставке, ее никто не купил, но тем не менее Пабло получил заказ от женского монастыря в Барселоне на несколько картин религиозного содержания. К сожалению, эти работы погибли во время антимилитаристского и антиклерикального восстания в Каталонии в июле 1909 года. В этот период было сожжено около 50 церквей и монастырей, в том числе и обитель, где хранились картины Пикассо.
Пикассо никогда не был набожным, религиозным человеком (по крайней мере, в традиционном понимании этого слова). Тем не менее, в его ученических рисунках 1895-1896 годов довольно много сюжетов из жизни Иисуса (трапеза в Эммаусе, Тайная вечеря, Распятие и т.д.), Благовещение, немало изображений святых - св. Себастьяна, св. Петра, св. Антония Падуанского. Столь активного и амбициозного молодого художника не могли не интересовать средства выразительности и иконографические схемы, которыми пользовались великие мастера прошлого: эта своеобразная «пища» для его личного творческого роста, перевариваясь практически до неузнаваемости, постепенно формировала художническую индивидуальность Пикассо. Много лет спустя автор многих статей и книг о мастере Пьер Дэкс (р. 1922), знавший Пикассо более четверти века, спросил его, не сожалеет ли он о том, что писал картины, подобные «Первому причастию». И Пикассо ответил ему: «Не заблуждайся, для меня тогда это было очень важно».
3. "Любительница абсента". 1901 г
Техника: Холст, масло
Размеры: 73 х 54 см
Коллекция: Санкт-Петербург, Государственный Эрмитаж
Во французском искусстве начала XX в. интерес к «порочным» персонажам был велик, у Пикассо много предшественников, особенно надо отметить влияние Тулуз-Лотрека. Во многих произведениях живописи звучит тема абсента, напитка, ставшего своего рода фетишем Парижа рубежа веков. Этой крепкой полынной настойке, «зеленой фее», приписывались особые качества: якобы приохотившиеся к ней люди страдают не от простого алкоголизма, а от особой «возвышенной» его формы, и погружаются в мир галлюцинаций и фантазий. Так что тематически Пикассо пока движется в рамках «мейнстрима» эпохи. Однако в образах, созданных молодым художником, есть обостренный драматизм. Так, в этом полотне особенно бросается в глаза гипертрофированная кисть правой руки, которой погруженная в свои мысли женщина словно пытается обхватить и защитить себя.
«Любительница абсента», хранящаяся в Эрмитаже, написана позже, осенью 1901 г. Картина имеет и другое название - «Аперитив». Источником нынешнего ее наименования стала запись в архиве Канвейлера, где полотно обозначено как «Женщина с бокалом абсента» (La femme au verre d`abssinthe). Именно у Канвейлера купил эту работу наш соотечественник - Сергей Иванович Щукин. Он познакомился с Пикассо еще в 1905 или 1906 г., но принял его творчество не сразу. Впервые он купил картину художника в 1909 г., а уже к 1914 г. в его коллекции было 51 произведение мастера. Собрать столько работ ни удалось, пожалуй, больше ни одному частному коллекционеру. После революции С. И. Щукин эмигрировал, а его собрание, национализированное в 1918 г., разделили между собой Эрмитаж и ГМИИ.
4. "Девочка на шаре". 1905 г
Техника: Холст, масло
Размеры: 147 х 95 см
Коллекция: Москва, Государственный музей изобразительных искусств им. А.С. Пушкина
Об этой картине искусствоведы всегда говорят: легкость и гибкость девочки-акробатки, балансирующей на шаре, противопоставлена массивности и устойчивости куба, на котором восседает атлет-богатырь. Также общепризнано, что Пикассо - преимущественно мастер формы, это его главный художнический интерес, самая важная проблема, которую он решает в своем творчестве. Потому особенно занятно, зная, к чему этот интерес привел позже, посмотреть, с какой трогательной и виртуозной констатации очевидного Пикассо начинал свой путь. Нежные жемчужные, розовые, голубые тона, новое ощущение воздуха, пространства позволяют считать «Девочку на шаре» одним из шедевров «розового периода».
Картина оказалась в России благодаря промышленнику Ивану Абрамовичу Морозову. До этого полотно побывало в коллекции Гертруды Стайн, откуда перешло в галерею Канвейлера. Именно у него в 1913 г. работу купил Морозов, заплатив за нее 16 000 франков (в 1906 г. Пикассо был счастлив, когда Воллар приобрел у него 30 картин за 2000 франков - так переменчива судьба художника). Личная коллекция И. А. Морозова (как и собрание С. И. Щукина) была национализирована в 1918 г.
5. "Женщина-цветок (Франсуаза Жило) ". 1946 г
Техника: Холст, масло
Размеры: 146 х 89 см
Коллекция: Частная коллекция
Пикассо уже несколько лет знаком с молодой художницей Франсуазой, у них роман, и Пикассо все время стремится сократить дистанцию. Наконец, он уговаривает Франсуазу переехать к нему, и в мае 1946 она поселяется на улице Великих Августинцев. Пикассо воодушевлен, он реагирует серией портретов Франсуазы - именно в эту весну рождается образ Франсуазы как "женщины-цветка", который потом будет обыграваться во множестве картин. Интересно, что зеленый цвет "волос" Франсуазы на этом портрете был спровоцирован Матиссом. Незадолго до этого Пикассо возил её знакомиться с мэтром, и тот сразу же представил, каким мог бы быть его собственный портрет Франсуазы. Пикассо был взбешен - кто-то посмел вообразить, что может писать ЕГО модель!
6. "Летящий голубь (голубь мира)". 1952 г
Техника: Литография
Размеры: 54,9 x 76,2 см
Коллекция: Частная коллекция
В конце 1940-начале 1950-х годов Пикассо делает серию литографий с изображением голубей, которые стали символом движения за мир - эти изображения были размещены на ряде плакатов Всемирных конгрессов сторонников мира, проходивших в послевоенное время в Европе. Все эти работы были широко известны как "голуби мира" Пикассо. Между тем Пикассо рисовал своих голубей не столько для защитников мира, сколько исходя из собственного личного отношения к этим птицам. Он всю жизнь держал голубей, получив прививку любви к ним ещё в детстве - его отец держал голубятню и рисовал своих птиц, он был художником-анималистом. Маленький Пабло играл с голубями чуть ли не с младенчества.
7. "Желтый пикадор". 1889 г
Техника: Дерево, масло
Размеры: 24 x 19 см
Коллекция: Частная коллекция
Маленький Пабло начал выказывать любовь к рисованию уже с трех лет. В Малаге, где прошло раннее детство Пикассо, мальчик уже пробует писать маслом. "Желтый пикадор" считается одной из первых картин Пикассо, которую мальчик написал в 8 лет под впечатлением от боя быков. Коррида всю жизнь оставалась его страстью.
8. "Обнажённая, зелёные листья и бюст". 1932 г
Техника: Холст, масло
Размеры: 162 х 130 см
Коллекция: UK, London, Tate Gallery
Картина была продана на аукционе Кристис в 2010 году за 106.5 млн. долларов и стала самой дорогой картиной Пикассо и второй по стоимости в мире после работы "Крик" Эдварда Мунка (119.9 млн. долларов).
Картина была написана за один день, 8 марта 1932 года, в рамках подготовки большой выставки Пикассо по случаю его 50-летия. За год до этого прошла выставка Матисса (по случаю 60-летия), с которым Пикассо всю жизнь состязался. Кроме этой работы, в 1930-1932 годы Пикассо написал ещё несколько полотен с Мари-Терез, которые стали признанными шедеврами не только периода сюрреализма, но и вообще всего его творчества. Период его самой чувственной и запретной любви нашел отражение в велколепных полотнах - Чтение, Сон, Девушка перед зеркалом.
9. "Поцелуй". 1969 г
Техника: Холст, масло
Размеры: 130 x 96 см
Коллекция: Частная коллекция
Картина написана в период подготовки большой выставки Пикассо в Авиньоне. Он чрезвычайно много и плодотворно работает в этот год. Другой его знаменитый Поцелуй, в голубых тонах, хранится сейчас в Музее Пикассо в Париже. Тот сделан в жанре парного портрета, а эта зеленая картина - из разряда жанровой живописи. Любовники на природе, среди деревьев. Мужчина в соломенной шляпе, частый персонаж картин позднего периода, на этот раз изображен в тельняшке. А мы знаем множество исторических фото, где Пикассо запечатлен именно в таком виде. 23 июня 2010 в Нью-Йорке на аукционе Кристис была продана за $18,0 млн.
10. "Купальщицы". 1918 г
Техника: Холст, масло
Размеры: 27 x 22 см
Коллекция: Париж, Музей Пикассо
Написана в Биаррице, летом 1918, во время медового месяца с Ольгой Хохловой. Друг и творческий партнер периода кубизма Жорж Брак ушел на фронт. Круг общения Пикассо расширился, кроме парижской богемы Пикассо вращается в театральной среде, оформляя балет для труппы Дягилева. Знакомство с Ольгой Хохловой, балериной труппы, привело к женитьбе.
